VOLUME ONE 597: RIVER FOOLS & MOUNTAIN SAINTS (IAN NOE)

Dos años atrás concluía un breve texto en este blog afirmando que Ian Noe, al que descubría entonces sin casi darme cuenta, merecía ser seguido desde ya. Me reafirmo en todo lo escrito con motivo de su primer álbum para elogiar ahora el segundo. En todo: en la madurez de su juventud prodigiosa, en la belleza honda de sus narraciones, en la altura emocional que alcanza su música. Noe escribe, canta e interpreta con la herencia natural de los poetas que en sus primeros pasos trazan el camino hacia la sabiduría contando las historias que tienen más cerca. Ese don lo arroja sobre los surcos de este hermoso River fools & mountain saints (Lock13 Records, 2022), con temas para saborear cervezas junto al escenario del salón donde se afana una banda (Pine Grove (madness), POW blues) o para dejarse acariciar mientras se apaga la tarde sobre los Apalaches (Tom Barrett, Ballad of a retired man, Appalachia haze). No te esperes de él un engreído aprendiz, sino un modesto alumno muy aplicado.

Nota: 8/10

BOOTLEG SERIES 107: THE FAME STUDIOS STORY

¿Qué precio pondríamos a nuestras pertenencias? Por esto que tengo en las manos, que ves en la pantalla, te pediría mucho dinero. Porque es un tesoro auténtico, guarda música cuyos rayos aún nos siguen deslumbrando a muchos hijos del rock y del soul, a jóvenes y mayores que no dejamos de beber de las fuentes del blues y del funk. Esto es la historia de los estudios Fame en tres discos y 75 canciones.

Un apunte para quien no esté familiarizado, extraído de la enciclopedia infinita: "FAME (Florence Alabama Music Enterprises) Studios es un estudio de grabación ubicado en el 603 de East Avalon Avenue en Muscle Shoals, Alabama, USA. Aunque pequeño y distante de los principales lugares de grabación de la industria musical estadounidense, FAME ha producido muchos discos de éxito y fue fundamental en lo que se conoció como el sonido Muscle Shoals. Fue iniciado en la década de 1950 por Rick Hall, conocido como el fundador de Muscle Shoals Music. El estudio, propiedad de Hall hasta su muerte en 2018, sigue funcionando activamente".

Si os lanzáis a este repaso histórico encontraréis lo mejor de lo mejor: gigantes sin discusión (Etta James, Wilson Pickett, Otis Redding, Irma Thomas) y figuras a recuperar (Candi Staton, George Jackson, Clarence Carter, Laura Lee). Imprescindible.

LIVE IN 275: 20 AÑOS CON THE BLACK KEYS

Echando cuentas, salen 20 años. Del primer disco, de crudeza áspera, blues seco entonces, que se fue mojando y navegando por otras corrientes. Tardé en entrar en su dial, después ya no me bajé de la emisora Black Keys. Y dos décadas después, desacuerdos superados, la máquina de Dan y Patrick sigue engrasada en antena. Presentan nuevo capítulo, Dropout Boogie, con gracia, como casi siempre. Serán de nuevo bienvenidos.

VOLUME TWO 110: HAIM

Hay hermandades musicales de sangre que me gustan. Por esta misma sección han pasado The Staves, por ejemplo. También son tres y me hacen sentir cómodo, a veces alegre, las hermanas Danielle, Este y Alana, que con su apellido forman Haim. No me paro mucho a pensar por qué: su música es viva y dinámica, tiene algo luminoso que te deja despierto y con ganas de tenerlas cerca, de ir a verlas a un concierto, saltar un poco, incluso apretarte de emoción. Y digo que no me paro a describir su música porque en la esfera grandiosa del pop cabe de todo; ahí está la página wikipédica de su tercer álbum (Women in music Pt. III (2020), el más lúcido) para tirar de no pocas etiquetas cuando cuesta encontrarle precisión al contenido: "Sobre todo es pop rock y contiene elementos de folk-pop, hip hop, reggae, lo fi, heartland rock [¿?], dance, country rock, UK garage, electropop, free jazz, funk, R&B de los 90 y pop de los 70 y 80". ¿Algo más? Malo será que te equivoques. Lo cierto es que un poco de todo esto hay en ese tercer disco, también en los dos anteriores, así que lanza la caña y pescarás peces de todos los tamaños y colores. La convivencia de estilos en Haim no se estorba, en absoluto: escuchas a las hermanas californianas compaginar cuerdas, teclados, percusión y voces y te entran ganas de irte de gira con ellas.

VOLUME ONE 596: LIGHTEN UP (ERIN RAE)

Hay algo cautivador en este disco: puede ser la tranquilidad familiar con que canta Erin Rae, o la humilde cercanía que transmite su música, espaciosa y sutil. Añado otra causa, un nombre, el de Jonathan Wilson, a cargo de una producción que lleva Lighten up (Good Memory, 2022) a los parajes abiertos y acogedores que salen de las canciones más modestas de sus discos, algunas de Fanfare y otras de Dixie Blur. Advierto algo de Wilson (la riqueza instrumental, en el sentido de saber usarla en el momento y en las dosis precisas) en este álbum que separa a su autora de su anterior banda, The Meanwhiles, entregada a unas piezas que, de tanto escucharlas, pueden llegar a adherirse.

Parece orbitar todo en torno a un country folk etéreo y atemporal que (leo) remite a veces a Bobbie Gentry, o al Tim Buckley más centrado; a Los Angeles en todo caso, una ciudad y un ambiente perdidos hace cinco décadas. Erin Rae (y Wilson detrás en su estudio de Topanga, ante cuerdas, teclados y percusión) hace precioso este Lighten up, al que se apunta Kevin Morby en Can't see stars de paseo por Memphis.

Nota: 8/10

BONUS TRACK 259: QUEENS OF THE STONE AGE (QUEENS OF THE STONE AGE)

El idilio con el stoner rock duró lo que los viejos amores de verano. Queda el recuerdo de la atracción y unos cuantos discos guardados, a los que volver alguna vez y no con frecuencia, cuando el ánimo está para escapar de las comodidades y no demanda sutilezas. La bienvenida a Sky Valley de Kyuss fue la puerta de entrada y el camino condujo a otras habitaciones, pocas (Unida, Fu Manchu). La espesura rocosa de Kyuss persiste en el primer álbum de Queens of the Stone Age, de 1998, aunque Josh Homme ya empezaba a domesticar el flujo de inspiración desértica. El disco parecía sacarse de encima las cenizas de su banda anterior sin limpiarse el polvo: los temas eran más cortos y manejables, pero los bajos seguían creando distorsiones pesadas y las guitarras mantenían su nervio perezoso y una atmósfera enfermiza. Queens... exige un momento especial para degustarse, que surge oportuno cuando hace falta desprenderse de un disgusto o liberarse de un agobio. Llegarían álbumes mejores; y peores.

LIVE IN 274: 8-M(UJERES)

Mi grito es este, unánime y sin divisiones, en igualdad de respeto y condiciones. Hurra por ellas, por hacernos la vida más agradable. Con su música.

Hoy son estas ocho, mañana pueden ser otras.

Little plastic castle (Ani DiFranco)

Slipstream (Bonnie Raitt)

Tapestry (Carole King)

Tidal (Fiona Apple)

Blue (Joni Mitchell)

Passenger (Lisa Hannigan)

Essence (Lucinda Williams)

We'll never turn back (Mavis Staples)

VOLUME ONE 595: OOCHYA! (STEREOPHONICS)

No soy de los que proclaman que tal o cual disco es "el mejor en x tiempo" de un grupo cualquiera, "el más logrado desde x"... Pero venga, hoy me permito decir que Oochya! (Ignition Records, 2022) es el trabajo más notable de Stereophonics desde You gotta go there to come back, y han pasado casi dos décadas. Desde entonces, el grupo galés ha ido registrando hasta ocho álbumes; destacable uno (dos como mucho) y olvidables los demás. Lo fácil hubiera sido perderle la pista (se me escapó el anterior), pero con Oochya! reaparece el rastro con suficiente relieve como para detenerse un rato y celebrar, exacto, el mejor trabajo de Kelly Jones y compañía en estos últimos casi veinte años.

Hay en Oochya! un poco de todo lo que ha vestido a Stereophonics desde su fundación: contundencia rockera y medios tiempos pop, clasicismo elegante y baladones de estadio. El reparto de elementos es equilibrado y aunque quince cortes se antojan demasiados y el conjunto podría haberse aligerado con dos o tres temas menos, la selección incluye cumbres que mantienen fresca la propuesta de la banda (Forever, You're my soul, Leave the light on, la brutal Do ya feel my love?). Jones, joven aún pero menos, canta esta vez desde la madurez y regala una de esas preciosidades, Right place right time, para repasar una vida y sentirse más o menos afortunado.

Nota: 7,5/10

BOOTLEG SERIES 106: JAY MARTÍN (QUE LA TIERRA NOS SEA LEVE)

 

Fíjense en esto, lo escribe Jay Martín en los créditos de su álbum, Que la tierra nos sea leve: 

"Jamás lo sabrán, pero una parte de este disco es fruto de un cuidadoso proceso de destilación y embotellado de las historias que durante años me han estado contando Gene Clark, The Jayhawks, Edward Abbey, Blue Rodeo, Sergio Leone, Guillermo Arriaga, Johnny Cash, Sam Peckinpah, Robert Redford, Luis Eduardo Aute, Cormac McCarthy, José Saramago, Juan Rulfo, Clint Eastwood, Leonard Cohen, Luis Landero, Townes Van Zandt, Neal Casal y Tom Petty, entre otros".

Varios de estos nombres vienen a la cabeza, desde una pantalla, un libro o una canción, sin que hayas leído la referencia mientras viajas sobre los raíles de este disco. También ves, en la mente, vagones sin destino, buscadores de oro, desiertos de cicatrices, el peso de la tierra, una película de vaqueros... Esto es música americana en estado puro, la que una vez más sale de las barricas añejas del sello Milanamúsica y distribuye en este caso Jay Martín en la cosecha de su primer trabajo en solitario.

Y es otro lujo. Aparecen invitados conocidos, como Hendrik Röver al frente de la producción y en el manejo de variadas cuerdas, coros y percusiones. "Talento" y "paciencia" necesarias para conducir por la ruta más segura a Jay Martín, cohabitante en los fenomenales Milana, voz raspada, como resentida pero resistente, a lomos de canciones que describen paisajes físicos y reparaciones interiores. Quédense con varias, sientan que viajan en un tren perdido (el del camino y el de la vida) hacia un punto de reencuentro: Tierra, Muescas, Levantados del suelo, A la tercera (la derrota). Postales de slide guitars lloronas, acústicas brillantes, eléctricas guerreras y trompetas de la frontera con las que cualquiera diría que Calexico han sido también invitados a este sabrosísimo licor musical.

Síganlo.

VOLUME ONE 594: EARTHLING (EDDIE VEDDER)

¿Cuántas veces les ocurre que se meten en una canción, o una canción se mete en ustedes, y de alguna forma íntima y fulminante sienten que quieren vivir en ella? Long way abre su puerta a viajar dentro. O es que Tom Petty aún respira en ella y se encarga de sellar el billete para desearle al viajero un feliz desplazamiento a cualquier lugar donde sentirse libre. Si Tom revive en el tren, Eddie conduce la máquina. Eddie Vedder el maquinista, un tipo al que hace mucho que quiero demasiado. Y Earthling (Republic, 2022), su tercer disco (o segundo, eso se puede discutir), es el vagón de las delicias que conduce al deleite pasajero de la música que se te clava en la piel.

 

Maticemos, desde el enfoque de un fundamentalista pearljamiano (y muchas otras cosas más, para bien o para mal). Vedder no ha hecho un disco colosal ni extraordinario, pero sí un disco que, según te pille, está fenomenal. Y a quien esto escribe le ha cogido de buenas, sensible, fiel a sus ídolos, con ganas de buen rollo, intenso y directo, joven de ánimo aún. Pues todo eso se advierte al escuchar Earthling. Hoy lo vierto así, mañana igual también.

 

Concretemos. Long way es la perla más valiosa del cofre, donde otras piedras preciosas se cotizan por las nubes, como cuando Pearl Jam reaparecen ausentes en los crescendos vigorosos de Brother the cloud o Rose of Jericho, cuando Stevie Wonder enchufa su armónica desbocada en Try o el gran Elton John rejuvenece fulgurante en Picture. Hay más diamantes bajo llave (The dark, Fallout today), muy fácil de mover para disfrutar. 

Nota: 8/10