BONUS TRACK 326: HEROES (DAVID BOWIE)

Ahora que mis allegados se sumergen en las aguas revueltas de la música de David Bowie, me animo a adentrarme yo en unas cuantas corrientes al azar, siempre imprevisibles, de tan incomparable artista. Conviene prepararse, quizá no lo estuve cuando me lancé a él en mi juventud y buscaba el impacto inmediato. Tuve más paciencia, más perspectiva y contexto en las exploraciones de la madurez, y el impacto llegó: no me tumbó, no me noqueó, pero me dejó asombrado con su versatilidad y su inspiración camaleónica. Bowie.

Heroes, la canción, esa obra maestra, eclipsaba y superaba Heroes (1977), el disco, un extraño panel de capas de sonido tan extravagante como cautivador grabado durante la etapa berlinesa en los estudios Hansa bajo la producción de Tony Visconti. Una mitad vocal, otra instrumental. La receta juntaba sabores y texturas que de golpe chirriaban y fascinaban, todo al mismo tiempo. Brian Eno pilotaba las pistas de sintetizadores y Robert Fripp estrangulaba la guitarra eléctrica. Bowie experimentaba con la voz, un héroe robótico de una nueva era, efímero, porque volvería a transformarse, una y otra vez.

VOLUME ONE 713: A POUND OF FEATHERS (THE BLACK CROWES)

Dos discos tras el reencuentro y reconciliación confirman que la resurrección de los Black Crowes es más auténtica que artificial. No hay destiempo, nada está desubicado, todo funciona igual que antes. Es justo lo que se les podía pedir: pisar terreno seguro y fidelizar la esencia sin caer en el desfase o en lo inoportuno. Chris y Rich Robinson saben estar juntos (musicalmente) años después de su separación. No han necesitado reclutar a ningún otro miembro de la banda, ni siquiera se les echa en falta. 

La fuerza de su música sigue corriendo por sus venas sin desfallecer. A pound of feathers (Silver Arrow, 2026) es un álbum tan válido como Happiness bastards (2024). Poco importa que en el futuro no consiga dejar huella como la que imprimieron las canciones de Shake... y The southern harmony... pero, hombre, es que aquellas encendieron una luz que aún no se apaga hace más de treinta años años.

Es buena noticia esta continuación del buen rollo que sintoniza a los hermanos. Su nuevo disco es otro latigazo vigorizante con todo aquello que se espera: guitarras de los Stones, atmósferas de Zeppelin, coros calientes, acelerones eléctricos y reposos para coger fuerza. Como siempre, ni más ni menos. Aunque falte el factor sorpresa, no hay lugar al reproche.

Nota: 7,5/10 

VOLUME ONE 712: QUEEN OF THE STRAIT (JENN GRANT)

Nos encontramos en otro cruce de caminos, donde el pop y el folk, de nuevo, se abrazan de forma transparente en el último álbum de esta canadiense inesperada que entra en nuestras rutas musicales. Jenn Grant. Así, de la nada, aparecen las delicadas, susurrantes canciones de Queen of the strait (2026), salpicaduras refrescantes, breves pero jugosas, que esta mujer moldea con suavidad para invitarnos a quedarnos con ella más de un rato. Crazy amaga con retratarse como hermana melliza de Knockin' on heaven's door. Gonna be free brinca a la vez que relaja. Take me to the movies acaricia como ese paseo en compañía a la salida del cine. Nos conformamos con poco, invitamos a los benditos desconocidos.

Nota: 7,5/10 

BONUS TRACK 325: GOLDEN AGE OF RADIO (JOSH RITTER)

Este disco puso su fecha poco antes de la aparición de este blog; volver a su música nos ofrece una larga perspectiva, la del tiempo que nos va cambiando a unos y a otros. Josh Ritter, un joven nacido en Moscú (el Moscow del estado de Idaho) mostraba entonces su segundo álbum, amparado por una inesperada gran acogida en Irlanda con su obra de debut y plantado ante públicos que poco después de que él presentase sus primeras canciones iban a adorar a Bob Dylan en su gira interminable. El chico se sacó de la manga una sólida continuación en la que dejaba bien claro que no estaba llamado a caer en el olvido que entierra a cientos de cantautores con la brújula del folk y el pop americano en su camioneta. Y su decena de discos siguientes, donde no tienen lugar los fallos, lo han confirmado.

Me encanta esa cubierta, la captura del interior de un bus escolar con los estudiantes adolescentes sentados mostrándonos sus largos cabellos, tan evocadora como inquietante para congelar la imagen promocional de un film de terror. En minúsculas, el título remitía a la edad dorada de la radio (Golden Age of Radio, 2002), y el contenido enseñaba los trazos firmes, aún con algunas líneas finas que pulir, de un autor más que prometedor. Los capítulos que seguirían a este disco reafirmarían la seguridad, a veces los riesgos, de un músico que enseguida se ganaría nuestra confianza.

SOUNDTRACK 297: GLAZER'S SPOTS

Una de cineastas repelentes, repulsivos incluso. Jonathan Glazer. (No tanto como Haneke). Me cuesta llegar al final de sus películas, escasas y separadas por hasta nueve o diez años. Porque entrar ya es difícil. Su frialdad, su rigidez, el peso de lo sensorial sobre la acción, la nada, el mensaje vacío. Entiendo que inviten a la fascinación, tanto como al hartazgo. Admito los extremos. Yo estoy en el de la falta de sabor absoluta, incapaz de sentirme hipnotizado por la sobriedad de su puesta en escena. Ni con la provocación artificiosa de Under the skin. Ni con la desalmada frivolidad de La zona de interés.

En cambio Glazer ha compaginado su selectiva elección de proyectos cinematográficos con sus encargos publicitarios y musicales como director de spots y vídeos (Blur, Nick Cave, Radiohead, Richard Ashcroft). Es en la publicidad donde el impacto de sus imágenes, comprimidas y directas, gana la fuerza de la que carecen sus extrañas películas.

VOLUME ONE 711: HEN'S TEETH (IRON & WINE)

Los discos de Iron & Wine son bendiciones frecuentes que nos reconcilian con la música cuando nos esquiva o nos desorienta, o cuando no consigue encender esa pasión que llevamos dentro, agazapada por la escasez de sustancia. Se pone a cantar Sam Beam con la suavidad de sus textos, a hacer que fluyan sus guitarras entre vientos, sus percusiones entre voces, y todo se paraliza para que deleitemos sus canciones. Es así como sus discos han ido creciendo con los años, colecciones de cabecera infalibles, de una poderosa intimidad (Shepherd's dog, Ghost on ghost), obras redondas.

Quizá parezca complejo alcanzar tales cumbres, pero no es necesario si Sam sigue cantando, componiendo, creando y jugando con su música a niveles altos. Beast epic, Light verse y ahora Hen's Teeth (Sub Pop, 2026) son trabajos magníficos, a los que puede que les falten temas sublimes, pero que siempre son generosos en esas texturas tan delicadas y contagiosas que su autor diseña con facilidad. El nuevo álbum, grabado al mismo tiempo que el anterior hace casi dos años y con el delicioso concurso del trío I'm With Her en dos cortes, crece en sus detalles prodigiosos, en la finura sabia de un artista que abrazar hasta el fin de los tiempos.

Nota: 8/10 

CANCIONES LARGAS

Hoy ya escasea el tiempo (y tenemos menos paciencia) para entregarlo a la escucha de una canción-río, incluso de un tema-arroyo de los que dedican 7 o alrededor de 10 minutos a contarnos una historia o atraparnos en extensos desarrollos instrumentales. Reconozco que echo de menos aquel tiempo que en sus primeros discos nos robaban los grandes músicos que admiramos hasta el día de hoy, y que siguen sin renunciar a esas piezas que fluyen como un río hacia su desembocadura.

Esto viene a cuento cuando suena de fondo el hechizante vapor de T.B. Sheets, que me trae a la memoria Cowgirl in the sand, Jungleland o Desolation Row. Ahí siguen sus creadores en estantes de lujo de nuestras discotecas, en la esfera sagrada de la adicción. No hay nada tan perfecto como un hit preciso que en menos de 4 minutos nos representa o nos lleva al cielo, pero cuando otras canciones de nuestra vida rozan o superan los 10 minutos y no podemos dejar de escucharlas, la gloria (lo que entendemos por ella) tiene sentido. 

VOLUME ONE 710: I SWAM HERE (JOHN CRAIGIE)

Se ha ganado una entrada con cada disco nuevo bajo el brazo. La primera fue la del celebrado descubrimiento, la segunda la de la confirmación, luego el paso a la consagración, ahora el triunfo de la excelencia. Aquí está un tipazo majísimo, un autor fantástico, John Craigie. Un trovador que hace gala de la pulcritud, que convierte la belleza en privilegio. I swam here (Zabriskie, 2026) deja atrás álbumes magníficos y se erige en el mejor monumento, un delicado manjar de folk americano que sortea referencias y escenarios comunes. Y mira tú que algunas canciones nadan entre olas que habría surfeado Jack Johnson, otras se sumergen en la inspiración dylaniana. Oh, qué dulzura, qué delicia. Más sabrosa cuanto más de paladea.

Nota: 9/10 

VOLUME ONE 709: THE DAYS OF 58 (BILL CALLAHAN)

Hay que estar prevenido para dedicarle tiempo a Bill Callahan. Debemos estarlo incluso quienes hemos celebrado muestras de su singular repertorio, como algún trabajo con Smog o los excelentes álbumes Apocalypse y Dream River. Nada de lo que firmó después llega a ser memorable, más bien inocuo y cansino: consigue que le des la espalda o que te desentiendas de él hasta ignorar sus siguientes pasos, como a mí me ha pasado. Pero resulta que ahora entrega este My days of 58 (Drag City, 2026) que empieza dándome un pálpito prometedor y se precipita hasta el hartazgo.

Te encontrarás de nuevo con su recitado somnoliento, el habla que no da para cantar pero que aun así depara momentos tensos y lúcidos. Sigue haciendo falta tener paciencia con Bill, una dosis extra de tolerancia. Incluso tienes la sensación de que algo no cuadra en lo que escuchas aunque te mantenga subido al carro. Porque da la impresión de que el disco está grabado sin mucho rigor, sin ajustes, con una producción que pega pistas de instrumentos unos sobre otros. Más de una hora así acaba una vez más en el cajón de las decepciones.

Nota: 4/10 

LIVE IN 318: INOCENCIA, EXPERIENCIA, RENDICIÓN, ¿ESPERANZA?

Es un aperitivo nada más, ojalá no un espejismo. El entrante de un plato más abundante para finales de año. U2 no han tenido paciencia, y la urgencia de los tiempos les ha hecho presentar por sorpresa un Ep con nuevas canciones, Days of ash, nuevas letras de denuncia, nuevos gritos frente al hartazgo de quien abusa con el poder. ¿Y la música? La música suena bien, más que aceptable, reta al escepticismo, anticipa quizá algo digno de más, a la altura de la historia, del peso, y con guitarras que rejuvenecen. Hoy sí, Bono y demás, tengo esperanza. Por los viejos tiempos.

SOUNDTRACK 296: KILGORE Y EL NAPALM POR LA MAÑANA

Nos sabíamos aquella secuencia de memoria. La calma antes del caos, el cielo amenazador, el desfile cabalgado por Wagner, la destrucción, y aquel coronel al que no podían creer los soldados en pleno bombardeo, el sombrero negro, el pañuelo amarillo, pecho descubierto y una orden clara que cumplir en medio de la locura: hagan surf. El coronel Kilgore fascinado con los bosques quemados y el humo que los envuelve. "Me encanta el olor del napalm por la mañana". ¿A quién se le ocurrió aquella frase? El napalm por la mañana. No vuelve a aparecer más en aquel apocalipsis, pero se come el recuerdo de todo lo demás, también a Brando. Siempre nos gustó Robert Duvall. Después de Don Vito, preferíamos a Tom Hagen. Y nos hizo a todos vulnerables en su primera aparición, el ruiseñor Boo Radley. Adiós, nunca morirás.

VAN VAN VAN VAN VAN

En unas cuantas canciones del último álbum de Van Morrison (sí, otro más), el autor llega al final de sus estrofas sin ánimo de dejarlas. "One more time", se dice a sí mismo o a sus invitados (Elvin Bishop y Taj Mahal salen en los créditos), y el tema continúa unos segundos más, regala otra estrofa de blues. Porque alguien trató de venderle a Morrison un puente, y ese es un buen título para otro tributo al blues, para una veintena de canciones más grabadas en estudio que seguramente gran parte no interprete el norirlandés en concierto. Qué importa. Lo que importa es que haya más canciones, más discos, de blues, jazz, folk, skiffle, lo que sea. Más. Van multiplicado por 40 o más. Un tesoro en casa. 

LIVE IN 317: VELADA CON JEFF TWEEDY

Dos guitarras acústicas bien afinadas y Jeff. Nada más hace falta para que una noche lluviosa bajo el techo de un teatro (el Colón de A Coruña) ponga fin reconfortante a la semana. Es que Jeff canta muy bien, es que Jeff toca muy bien, escribe bien, conecta bien. Todo es tan difícil, todo lo hace tan fácil.

Lo has visto un par de veces con su banda y solo con recordar aquellos conciertos sigues sin salir de tu asombro. Wilco son estratosféricos, prodigiosos, en conjunto y cada miembro en su individualidad. Y ahí está Jeff Tweedy, con su fuerza de apariencia vulnerable. Un tipo cualquiera muy especial.

Lo escuchas con su guitarra y en tu cabeza sigue toda la arquitectura sonora de sus compañeros aunque hoy no estén sobre el escenario. Oyes sus diabluras en los perfiles de California stars, Handshake drugs, Jesus etc, You and I, A shot in the arm... Via Chicago, el único tema con instrumento adicional, una melancólica armónica de escalofrío.

Wilco dominaron el repertorio en la noche de Tweedy, pero las canciones de sus discos en solitario (las justas, las mejores de cada colección) también se hicieron grandes. "Siéntete libre para grabar un disco con tus amigos y cantar una canción sin fin". Fin. Ovación. Sobresaliente.

RECORDS

Madrugar, llegar pronto a la charity shop de la zona 3 en el barrio donde nunca tus pies han estado, buscar entre discos usados que cuestan no más de 3 libras, encontrar ese que te faltaba de la vasta carrera de uno de tus músicos favoritos, dar con otro de otro artista al que siempre le has comprado álbumes allí adonde viajas... Encontrar otro majo disco en una preciosa tienda con escaso producto musical mientras afuera la gente se pierde en los laberintos del mercado... Perderse entre las ofertas de una megastore para ver tan nuevos y tan baratos los que te faltan de otro autor de cabecera, o aquellos que tu hermano desea para completar sus discografías... Volver a la calle que aparecía en la portada de aquel disco tan famoso y pagar 12 libras por tres álbumes que desde hace mucho tiempo anhelabas tener originales... Viajar y encontrarte con tu pasado sobre los raíles del vicio, entre campos de fútbol y pintas de Guinness, calles sin fin y música.

BONUS TRACK 324: JERICHO (THE BAND)

Me niego a ignorar al grupo cuando ya no estaba unido. En su otoño, ausente Richard y apartado Robbie, The Band pasó junto a la casa rosa para rehacerse en el estudio y en la carretera. El resultado no desmerecía nada si se lo comparaba con la década que los había convertido en legendarios. Las reuniones duraron un tiempo hasta que dieron fruto como álbum, el primero este Jericho (1993). Estaban Levon, Rick y el sabio Garth dando unión a todo. Otros tres músicos se sumaron a la banda. Se notaba alegría, quizá un tanto empañada por las ausencias, por una nostalgia irrepetible. Pero el disco tenía fuerza y brío, y lucían por encima de todo dos versiones fantásticas con firma de fantasía: Blind Willie McTell de Dylan y Atlantic City de Springsteen. Pedazo banda, seguían siendo.

VOLUME ONE 708: WORLD'S GONE WRONG (LUCINDA WILLIAMS)

Exacto, el mundo se está convirtiendo en un lugar peor. Basta con seguir las noticias, el afán imperialista, la represión, la incompetencia, la intolerancia, la ceguera, la violencia que nos rodea y castiga, que nos contagia. Podemos cantar contra ese mundo empeorado, dejar huella de nuestras emociones por ese ahogo mientras esperamos que llegue el momento de que algo mejore. Lo hace Lucinda Williams con su maestría y sensibilidad habituales (que no inmaculadas) en World's gone wrong (Highway 20 Records, 2026), nuevo repertorio que consolida (aunque no le hiciera falta) su estatus de voz incuestionable en el entramado de la música americana.

En un álbum rocoso y sensible al mismo tiempo, duro y melancólico por igual, Lucinda brilla en la cercanía de su recitado, cuando ella y su banda se acercan a los Crazy Horse y cuando domestica sus disgustos. A la altura de otros trabajos excelentes como Blessed o West, un paso por detrás de Down where the spirit... o Essence, tan sentido y comprometido como el conjunto de su obra, el nuevo disco (con la compañía de la gran Mavis Staples en una versión de un tema de Bob Marley) mejora los ratos que le dedicamos a la música mientras el mundo se debilita y desmorona.

Nota: 8/10 

SOUNDTRACK 295: COMEDIAS TONTAS, RISAS HEREDADAS

Hace más de 30 años vi una película con unos amigos, una comedia tonta con personajes tontos con las que nos echamos unas risas tontas, alguna carcajada generosa. Para siempre quedaron un par de escenas, el gesto estúpido de un personaje y una contestación brutal de otro. Hoy he vuelto a ver esa película. Recordaba aquella contestación y lo mucho que un amigo y yo nos retorcimos de risa en aquel momento, repitiendo las mismas palabras del personaje varias veces en los días siguientes. "Nooooo, ni me impoooorta".

Mi hijo se ha reído tanto al llegar a ese instante de la película como yo hace tres décadas. Y también ha repetido la frase unas cuantas veces antes de irse a la cama. Qué bien se lo pasó. Qué bien me lo pasé yo viendo de nuevo una película tonta de esas que tanto se agradecen en ciertos momentos. No, no te atrevas a decir que son malas películas, te hacen pasar un rato estupendo (más que las batallas revolucionarias). Con una parte de ellas te quedas para siempre. Dos tontos muy tontos. 

SOUNDTRACK 294: UN CINE MENOS

Hace unos años, un reportaje que escribí con motivo del cierre de unas salas de cine repasaba aquellos viejos cines de mi ciudad y el lugar donde estaban contrastando las antiguas imágenes del exterior de esas salas con lo que hay en la actualidad en ese mismo lugar. Esa evolución, ese efecto del tiempo, nos deprime a menudo a los nostálgicos. Sí hijo, aquí donde ves una tienda de ropa, un restaurante asiático, el Registro Civil, las dependencias de un gran banco, una sala de conciertos o unas instalaciones sanitarias es el espacio que antes ocupaba un cine donde vi unas cuantas películas: Arma letal, Evasión o victoria, El gran Lewoski, En busca del arca perdida, Un día de furia, Un mundo perfecto. 

Hoy han cerrado otros cines en mi ciudad, no unos viejos y acogedores cines sino unas cálidas multisalas en un gélido centro comercial. Hacía mucho tiempo que no iba a ver películas allí, pero esas salas me dieron abrigo muchas noches en las que había sesión golfa. Quedan otras dos multisalas a las que a veces voy, cada vez con menos frecuencia. La pregunta es: ¿hasta cuándo estarán abiertas? Lo más triste es que ni siquiera esta vez, con el último cierre hasta la fecha, he sentido pena.

VOLUME ONE 707: DARLING BLUE (MARCUS KING)

Las prisas, el consumo rápido y la tendencia al olvido en la vorágine de las rutinas nos hacen perder sensaciones. Retenemos menos y al tratar de recordar nos alejamos quizá del verdadero veredicto. Veamos. Cuál sería el mejor disco de aquella primera serie estupenda de Humble Pie, por ejemplo. Diríamos que todos están bien, y es una buena banda de la que cuesta acordarse de los títulos de esos álbumes. Y sin ir tan lejos, con qué disco nos quedamos de Marcus King. También todos están bien, los siete que ya firma antes de cumplir los 30 años. Así que si queremos dar un juicio rápido a Darling blue (Republic, 2025), diremos que el precoz músico de la sureña Carolina, que recupera a su banda para dar nombre al álbum, vuelve a sudar la camiseta para entregar otra dosis pasional y auténtica de la herencia musical con que ha crecido. Country, blues, soul, rhythm and blues conjugados de nuevo con cierta inclinación acústica, salpicada por la precisión de su enchufada guitarra elocuente. Otro bocado de ágil digestión, tan sabroso (y a la vez indistinguible) como los demás.

Nota: 7,5/10 

GREATEST HITS 369: RIDERS ON THE STORM (THE DOORS BY PLAYING FOR CHANGE)

El presente.

Una entrega nueva de Playing for Change, esa fundación que hace de la música una herramienta para el cambio a través de la interpretación conjunta en distintas esquinas del mundo de una canción de esas que todo el mundo conoce, un himno que enlaza culturas y une territorios en un planeta que busca sus oportunidades. Esta vez es Riders on the storm, con sus dos supervivientes al mando de sus instrumentos, nativos americanos, Don Was, algunos hermanos Nelson, música en Senegal, Argentina, Cuba, Brasil, un rincón de Galicia y la voz recuperado del mismísimo Jim Morrison.

 

El pasado. 

Riders on the storm fue mi bautismo con The Doors. Su atmósfera tenebrosa me sedujo en un capítulo de aquella maravillosa serie, Aquellos Maravillosos Años. Enseguida llegaron los discos, la película, libros sobre Morrison y su banda. Una fiebre de descubrimiento camino de la madurez. Me veo eufórico y fascinado en aquel tiempo. Los Doors eran lo mejor. Todavía lo pienso cuando sus jinetes penetran en el corazón de una tormenta.

BONUS TRACK 323: SOUTHERN ACCENTS (TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS)

1985. Peligro. Probablemente tus músicos favoritos hayan grabado alrededor de este año su peor disco. Así consideré yo Southern accents, el paso que siguió a la irrupción y consagración de Tom Petty y su banda entre la segunda mitad de los setenta y la primera de los ochenta. Pese a tener Rebels como arranque o el precioso tema titular o Spike. No sabía bien qué camino quería tomar este álbum o en qué frecuencia pretendía sonar o a qué audiencia debía gustar. Quizá esa combinación de autorías en la producción de sus nueve temas (con Jimmy Iovine, Dave Stewart y Robbie Robertson como artesanos invitados por Petty y Campbell) jugaba en su contra, apostaba por el despiste. Alguna orquestación me sobra, el sonido plastificado de algún corte me patina en este trabajo menor, pecado perdonable en todo caso del bueno de Tom.

EL ROCK Y EL CINE, EL CINE Y EL ROCK

Se lo leo a un cineasta que tiene trece años más que yo, un hombre al que, por su obra, incluyo en mi generación. Duda que la siguiente, la de nuestros hijos, tenga el cine o el rock entre sus pasiones vitales, las que conforman y dan sentido a su persona. Lo veo a mi alrededor o en mi entorno, niños y niñas, chicos y chicas menores de treinta años a los que no me encaja descubrirles el cine o la música rock como pasiones. Yo también dudo.

Sus vidas tendrán otros referentes, otros patrones; en sus horas de aprendizaje u ocio, de distracción y entretenimiento productivos recibirán estímulos pasionales de fuentes diferentes. Puede incluso que cada cierto tiempo una película o un disco les enganche durante una temporada con el cine y la música; me refiero a leer sobre cine, verlo y apreciarlo, a saber más de un grupo o un cantante, querer comprar (¡¡comprar!!) otro disco.

A menudo me veo con unos cuantos años menos y consigo reconocerme en mi inocencia, con mis ganas de saber más sobre algo que de repente me atrae y seduce, me hechiza. Con hambre por ver y escuchar más, recreado en mi pasión... que hoy a veces me cuesta descifrar como impulso e ilusión auténticos. Sí, ahí están, aunque no lo parezca: un cine que me reconcilia, un disco que me zapatea.

BUENOS DISCOS, BUENAS CHICAS (Y CHICOS)

El entretenimiento ritual de cada año, el balance melódico que no sirve para nada, nos deja en 2025 con un generoso grupo de mujeres que nos han alegrado los días con su música. Distintas generaciones, diferentes latitudes, un legado fantástico: 

-Real Warmth (Joan Shelley)

-Sad and beautiful world (Mavis Staples)

-Neon grey midnight green (Neko Case) 

-Planting by the signs (S.G. Goodman) 

-Vendrán suaves lluvias (Silvana Estrada)

-Owls, omens and oracles (Valerie June) 

Sin olvidarnos de unos cuantos hombres (y bandas) con desempeño prodigioso: 

-The land we knew the best (Chris Eckman) 

-Mr. Luck & Ms. Doom (The Delines)

-Get sunk (Matt Berninger)

-Saving grace (Robert Plant)

-Remembering now (Van Morrison)

Feliz 2026 a tod@s. 

SOUNDTRACK 293: JARMUSCH

El cine de Jim Jarmusch sigue escapándoseme de las definiciones. Y eso me gusta. Me gusta decir que he visto una suya, una película de Jarmusch pura y dura, cuente lo que cuente. Si no leyera los créditos diría sin pensarlo mucho que la peli es de Jarmusch. Porque me sorprende su transparencia fuera de cualquier género, o esa manera tan reconocible de apoyarse en un género y desechar cualquier tópico, llevarlo a un terreno en el que puede bromear con los escenarios comunes e introducir elementos inesperados.

Me fascina esa aparente frialdad con la que se acerca a historias cercanas o lejanas (Flores rotas o Paterson entre las primeras, Ghost Dog o Dead Man entre las segundas) y les extrae una candidez entrañable por medio de interpretaciones pausadas, siempre de actores que parece que pasan por ahí y no necesitan demostrar que están actuando. Esto pasa, vuelve a pasar, con Father Mother Sister Brother, el último estreno de Jim Jarmusch, premiado además con el último León de Oro en el Festival de Venecia.

Me vuelve a fascinar que su historia (tres historias en otro regreso del cineasta al largometraje episódico bendecido con un excelente reparto) incida en contar eso que tan difícil es de contar: el desconocimiento del ser querido, la incomunicación, la distancia entre hermanos y todo aquello que une a la humanidad en cualquier lugar en que nos encontremos, que nos hace tan parecidos los unos a los otros. 

GREATEST HITS 368: EL DÍA DEL AMIGO (CA7RIEL Y PACO AMOROSO)

De forma inevitable, de tanto escuchar a estos chavales en viajes por carretera con la música al gusto de quien no conduce durante este año, he acabado por descubrir sus encantos, por comprender su poder de atracción y seducción. Un éxito inmediato, fulgurante, generacional y fascinante. Sí, las canciones de Ca7riel y Paco Amoroso tiene mucho gancho y gracia, mucho juego de estilos que giran y se cruzan; están mejor de lo que te imaginas, con su descaro y gamberrismo, su mala política y sus dudosas costumbres. Les hace falta descansar a los chicos, la vorágine puede empujarlos al precipicio. Eso van a hacer. Que sean amigos y hagan disfrutar. 

VOLUME ONE 706: SNOCAPS (SNOCAPS)

Hay en este álbum más que un reencuentro fraternal, hay el confort de recuperar el entusiasmo de una alegría antigua, la de compartir sangre y música en un espacio cerrado para abrir lo que, de tan unidas, dos hermanas son capaces de transmitir. Es posible que las gemelas Crutchfield, Allison y Katie (nuestra reconocible Waxahatchee), necesitasen volver a tocar juntas como cuando se atrevieron a los 15 años en sus primeros pasos musicales, con el pop y el punk como banderas. Llegadas a los 36, entierran la separación para rebautizarse como Snocaps. Su banda da nombre a un disco breve y espontáneo, tan falto de pretensiones como lleno de buen clima, para el que Brad Cook y MJ Lenderman completan el reparto. Tiene el grano de la nostalgia, pop, folk, un punto punk también, como las imágenes de Polaroid guardadas.

Nota: 7/10 

BONUS TRACK 322: GENTLEMAN'S BLUES (CRACKER)

Al guardar la entrada de un concierto reciente en un archivador que acumula más de un ciento, veo asomar una esquina de la del bolo aquel de Cracker en Santiago hará unos veinte años. Un bloguero rescata al grupo en una breve semblanza a propósito de su fugaz gira por el país, aunque no tenga disco de estudio que presentar desde 2014. Así que escojo uno para el coche; difícil cuando se trata de una banda que no sabe fallar, con la que tú siempre acertarás.

Han pasado 27 años desde aquel Gentleman's Blues (1998) tan fresco, pulcro, seductor y entretenido. Los bordes eléctricos de aquellas piezas de aquello que llamaron rock alternativo, nuevo rock americano o cualquier invento suenan hoy tan vibrantes como entonces. No cambio ninguno de estos calificativos para el cuarto álbum de Cracker. Banda de reivindicación y redescubrimiento constantes, de esas que, en su larga ausencia, te preguntas si hoy seguirían siendo tan buenas como siempre te parecieron. Apuestas a que sí.

ESA PARTE DE LOS SOLOS DE GUITARRA DE HOTEL CALIFORNIA

Todos tenemos un manojo de buenas canciones de las que nos hemos hartado. No digo aborrecer, pero sí hemos llegado al punto de cambiar el dial en la radio del coche mientras resoplamos de cansancio al reencontrarnos con los dos o tres primeros acordes. A mí me pasa con Hotel California. La última vez que la escuché el tema de los Eagles, a lo lejos más bien, entre cruces de voces que hablan de anécdotas de trabajo, política, vínculos familiares o música moderna tras una cena de empresa, me mantuve, en cambio, un minuto metido en la única parte de la canción que aún consigue asombrarme.

El vídeo que emitía una televisión del pub ya lo había visto otras veces, quizá la primera fue cuando me pregunté por qué había tan pocos grupos en los que canta un baterista. Después de los cuatro minutos de planos abundantes de Don Henley, las cámaras se apartan hacia el doble mástil de Don Felder y las cuerdas de Joe Walsh. Debe ser en la mitad del cuarto minuto, y en el minuto siguiente los dos guitarristas se intercambian sendos solos limpios, elegantes, con algún rasgueo vibrante. Es ese el momento en que dices qué bueno es este tema y qué cansado estoy de escucharlo.

VOLUME ONE 705: PLANTING BY THE SIGNS (S.G. GOODMAN)

Necesito carne fresca, voces limpias, alimento nutritivo que fortalezca el cuerpo y me espabile con energía, que haga que me reencuentre con música que me transmita algo que se salga de lo masticado y me enganche a su autor o autora un buen rato. Lo he encontrado en el tercer álbum de S. G. Goodman. Hace un par de años pasó esta chica como un relámpago sin trueno con su bien acogido anterior trabajo, pero no le hallé (o no supe) nada notable. Acompañada de nuevas buenas reseñas, Planting by the signs (Slough Water Records, 2025) me desvela lo que antes no advertí: una intimidad demoledora, un escalofrío arrebatador en su subyugante discurrir por los veleidosos territorios de la música americana (con sin 'a' inicial mayúscula).

Esta mujer de Kentucky a la que apadrinó Jim James con su primer disco esconde fuerza en su tranquilidad, mira al frente más allá de lo cercano, y en su tercera entrega transmite un profundo, estimulante y a la vez inquieto bienestar (Satellite, Fire sign, Michael told me, Heaven song o Nature's child con la invitación a Bonnie Prince Billy). No apruebo comparar por vicio, resta integridad a quien se compara, pero mientras disfruto de este Planting... tan contagioso no puedo evitar acordarme de los perfiles de Cat Power o Sharon van Etten que más me gustan (que no son todos). Goodman tiene su buen lado también, un perfil guapísimo.

Nota: 9/10 

GREATEST HITS 367: YO NO SOY ESA (MARI TRINI)

He aquí un temazo. De otro tiempo, al fondo del túnel que nos lleva a la infancia y al televisor en blanco y negro. De aquellas artistas que les gustaban a nuestros padres y cantaban en programas de variedades, que la publicidad o el cine las recupera mucho más tarde en maniobras de nostalgia. Oído: "Yo no soy esa, la paloma blanca que tú creías que te baila el agua, que ríe por nada diciendo sí a todo", te dice con la mirada malvada. 

María Trinidad Pérez de Miravete Mille y su labio torcido dieron que hablar. El mismísimo Nicholas Ray fue su representante cuando rodó películas en España en los primeros sesenta y avaló la estancia de la chica en Londres, donde se codeó con figuras del cine y la música. Volvió a España y triunfó cantando. Era fría, discreta y celosa. No se relacionó con hombres. Vivió a su manera. Eh, que esta gente vendía millones de discos, esos que hoy ya no se compran.

CORONEL, USTED MANDA

Yo no sé tocar la guitarra pero no concibo el mundo, ni mi vida, sin su sonido. En mi lista particular de héroes del mástil de cuerdas Steve Cropper está en lo más alto. Se admiten matices y discusiones, claro, pero no creo que las haya tratándose del Coronel. Seguirá estando ahí arriba, sentado en la bahía de Otis, no me importa al lado de quién, porque aunque mueran los artistas conservan su obra para siempre.

Cropper se ha marchado a los 84 años. Hace unos veranos vino a tocar a mi ciudad, a recordar su inigualable repertorio al frente de su mejor banda, los Blues Brothers, cómo no... con permiso aquella noche de los MG’s de Booker T. Hablaba, reía, jugaba. Se le veía feliz. Tocaba de locura, con ese equilibrio tan suyo entre potencia y precisión, soltura y elegancia. Estábamos empapados de Stax. Escuchar el sonido de sus cuerdas depuradas le hace a uno sentirse muy bien.

BONUS TRACK 321: TONIGHT'S THE NIGHT (NEIL YOUNG)

Tonight's the night, la canción, podría ser una de esas piezas eternas de su autor en las que se sumerge para tardar en salir a flote, con un larguísimo tramo intermedio para balancearse obnubilado en la contemplación o en la soltura de la improvisación. Pero en Tonight's the night (1975), el disco, el tema abre y cierra, con cerca de cinco minutos en cada versión, un repertorio marcado por la tristeza y la angustia, por las pérdidas cercanas y cierta desolación. Es este uno de los álbumes más sórdidos de Neil Young (al que tenemos la manía de regresar con frecuencia), también de los más torcidos (esa manera tosca de afinar las voces o raspar las guitarras), pero es a la vez otro ejemplo de la imperfección seductora del canadiense. En Tonight's..., que parecen retazos extraídos de una sesión y de otra, coinciden Crazy Horse por un lado y los Stray Gators por otro, con Nils Lofgren como colega invitado. Y cada vez que suena ese hipnótico tema titular entran ganas de que no llegue al final.

BONUS TRACK 320: SUTRAS (DONOVAN)

El amplio catálogo de producciones de Rick Rubin guarda asociaciones inesperadas. En 1996 el reclamado productor encontró un alma gemela en el terreno espiritual y creativo en Donovan Leitch, un antiguo icono del poder de las flores en la segunda mitad de los sesenta que, con el curso de las décadas, ahondaría, entre la música y la poesía, en territorios místicos. Rubin ya había extraído de Johnny Cash toda la fuerza de su mito en los primeros dos volúmenes crepusculares grabados bajo su producción cuando trabajó con Donovan en Sutras, catorce piezas escogidas de un cuaderno con más canciones que había empezado a llenar unos años antes.

La sombría profundidad de Cash desaparece con el escocés en el estudio, más meloso y melódico, suave en su recitado. Pero de la escasez instrumental Rubin y de la selección de unos pocos músicos de acompañamiento infalibles (Danny Thompson en el bajo, Benmont Tench en las cuerdas) vuelve a conseguir el ropaje perfecto para crear música cálida, precisa y cuidada en un disco tan estimable como olvidado.

LIVE IN 316: VALERIE JUNE, SANTIAGO 2025

Esta mujer parece venir de otro planeta o dimensión. Una extraterrestre sin estilo o una agitadora de estilos. Reconoces el blues, el rock, el country, el bluegrass o el góspel en las líneas de su música y luego la ves ahí tan estrafalaria, con un pulpo de pelo en la cabeza, un vestido rojo con medias celestes y botas verdes y esa voz que chilla y se queja, que acaricia y ronronea, salta y se extiende sobre canciones que alcanzan una belleza indescifrable. Algo, de algún modo, fuera de lo común.

Esta es la Valerie June que vimos hace unos días en la Capitol de Santiago. Cuando se dirige a nosotros interpreta a una niña caprichosa o a una vieja gruñona, con un punto de encanto desconcertante. Cuando canta y desliza mansamente sus dedos sobre cuerdas de eléctrica, acústica y banjos de distinto tamaño su reportorio desprende paz o chispas y fuego, según cante Shakedown, Call me a fool o Endless tree.  

Solo un bajista eficaz y un contundente baterista también al cargo de coros arroparon a la artista. En la falta de más instrumentación noté que los temas de su último álbum, el fabuloso Owls, omens and oracles, sonaron más fríos. El resto alternó decibelios y desenchufes, nervio y paz. Valerie, rara, distinta, tremenda a veces.

BONUS TRACK 319: THE STONE ROSES (THE STONE ROSES)

El vinilo sobresalía de una estantería en la casa de un amigo. Mucho más tarde pensaría que el fondo de la portada, bajo el nombre del grupo y las tres rodajas de naranja, podrían ser salpicaduras de pintura de Jackson Pollock. La aguja hacía sonar un espeso bajo hechizante y el cantante pedía ser adorado. Estuve atrapado en esa canción unas semanas, quería escucharla una y otra vez, I wanna be adored. El resto del disco no me despertaba misterio, nada más era capaz de retener. Después supe que los miembros del grupo salían de una pelea y se metían en otra. No había lugar al entendimiento. Solo un álbum más pudieron completar cinco años después. Y ahí se acabaron The Stone Roses.

Su despegue con el primer disco en 1989 solidificó la escena de Madchester; cómo molaba imaginársela en esa ciudad desconocida, gris y lluviosa, con aquella banda sonora que unía de la mano el pop y la música dance entre una base rítmica terriblemente adictiva, con la ayuda de un poco de ácido. La banda pariría hijos legítimos igual de conflictivos y dejaría una huella de nostalgia que supo explotar entre seguidores con morriña con un oportuno reencuentro dos décadas después. Aquel álbum lo aprendí a escuchar mejor después, en su frescura, en su misterio, comprensible legado de adoración.

GREATEST HITS 366: FOOL TO CRY (THE ROLLING STONES)

Si tienen una hora libre, o un poco más, para interrumpir sus obligaciones y entregarse a la desconexión, prueben con un concierto de los Stones a mediados de los setenta, en la época del Black and Blue. Nadie cantaba en una veintena de idiomas en un mismo disco ni escribía letras y música trascendentales. A muchos que entonces éramos muy niños y más tarde creceríamos con Jagger y los demás aquellas canciones nos convertirían en creyentes, sin necesidad de envolver nuestra fe en marca y extravagancia.

Aún me abrazo a mi fe escuchando temas como Fool to cry. Vean a estos chicos, que limpias y molonas caen sus melenas (menos desde el cráneo del baterista), qué finura en sus voces, seducción en los labios, elegancia en los instrumentos. Es una de mis canciones favoritas de estos monarcas, de estos artistas del culto. Arrodíllense.

VOLUME TWO 137: MR. SOUL

Este señor acaba de llegar a los 80 años. Su alma lleva más de treinta años trastocándome, el tiempo que ha pasado desde que empecé a entrar en su música, desde aquel presente hacia atrás y después hacia el momento de ahora: perdiendo la cuenta, desconectando y volviendo a alcanzarlo, enfadándome, asombrándome, según el viento caprichoso sobre el que siempre ha cabalgado Neil Young y sus colegas. No habrá una semblanza en las siguientes líneas, no tocan hagiografías. Solo unas cuantas ideas, recuerdos y emociones.

Fue con Harvest moon como empezó, su aroma de campo al atardecer, aquel bienestar. Los VIPS vendían aquel y otros discos suyos, que fueron cayendo a distinto ritmo: Neil Young, Zuma, Everybody knows..., Weld, Tonight's the night, Harvest, Comes a time... Y luego Sleeps with angels, Mirrorball y esa cuenta confusa de trabajos oficiales, discos descartados y archivos recuperados. Dejé hace tiempo de seguir el orden, me conformé con actualizarme según me apeteciese, preferí volver a sus canciones, las que todos conocían y de las que casi nadie se acordaba.

Me encantaba verlo tan atrás con los flecos largos de su chaqueta en Buffalo Springfield, el arrinconado en CSN. Medio siglo después no acierto a quedarme con una banda por encima de la otra. Imponía su altura, la mirada colgante, las veces en que su guitarra temblaba nerviosa o sonaba con mansos destellos acústicos. Una vez estuvo en mi ciudad y yo me planté en la segunda fila. No traía fresco su mejor disco, pero allí con Ralph, Billy y Poncho se apiñaron los unos a los otros de espaldas al público para hacernos parecer que eran insuperables.

Y quizá Neil lo sea, único, insuperable en su especie. El músico que ha hecho lo que le ha dado la gana, en sus caprichos, sin concesiones, tosco hoy, delicado mañana. Mr. Soul. Padrino de unos, norte de otros, genio de sí mismo. 

 

VOLUME ONE 704: SAD AND BEAUTIFUL WORLD (MAVIS STAPLES)

Creo haber reseñado, a la manera antojadiza en como lo hace este blog, los últimos seis álbumes de estudio de Mavis Staples desde 2007, además de aquella inolvidable actuación que me puso enfrente de ella, al alcance de sus manos y su entrañable menudez, en el pequeño escenario del Jazz Café de Londres a finales de 2010. Mavis es alguien a quien le encaja la particularidad de lo sagrado, de la vejez sabia. En su forma de ser y en su música, intérprete vocacional y vocalista emocional. Dejándose guiar por el criterio de colegas que podrían ser sus hijos o nietos, como Jeff Tweedy, M Ward, Ben Harper y ahora Brad Cook, ha firmado un final de carrera memorable.

Sad and beautiful world (Anti-, 2025) podría ser el fin de su travesía, o una etapa más, quién sabe. A ese Dios tan presente que la conduce en su camino, Mavis sigue dirigiéndose en sus canciones, a un mundo, en efecto, triste pero hermoso a través de canciones prestadas por Tom Waits o Kevin Morby (qué hermosa sencillez la de Beautiful strangers) y el discreto concurso de voces y destrezas como las de Boonie Raitt o Waxahatchee, que convierten este álbum en una brillante hoja más del invernal calendario de la gran Mavis Staples.

Nota: 8/10 

SILVANA

Esta mujer no necesita detener el tráfico ni ensayar el caos. No necesita cubrirse de hábitos espirituales para retorcer lecturas o sembrar debates. Ni entrometerse en tu rutina cuando abres la web de un diario o cambias de dial. No le hacen falta profundas incursiones expertas (o no) en la superficie y el núcleo de su música o en los trazos de su escritura para encontrarle un sentido. No es ninguna reina, ninguna divinidad, ningún fenómeno de la sociedad moldeado por la pirotecnia. No necesita disrupciones ni invenciones para atraer asombros. Nadie estudiará al detalle las curvas de sus vestidos, el estilo de su peinado o maquillaje o la interpretación de una canción en una fiesta exclusiva o una gala de famosos. No necesita todo eso para ganarse merecidamente la brillantez, la que escasea en todo lo demás.

BONUS TRACK 318: DAMN THE TORPEDOES (TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS)

Si la pregunta fuera esta, ¿cuál de los primeros cinco discos de Tom Petty prefieres? (entre el 76 y el 82), creo que muchos de sus seguidores no dudaríamos en señalar el tercero, Damn the torpedoes (1979). El rubio de Florida y sus rompecorazones firman este quinteto inicial de álbumes, aunque solo en uno, el segundo, aparecen los cinco en la foto de portada. Para el tercero, ante el estor rojo de una ventana a juego con su camiseta, con la guitarra colgando en su cintura, el flaco Tom mira y medio sonríe con el gesto de la plena confianza en sus canciones. Esto es lo que hay, me ha salido un trabajo redondo.

Así es. En esta joya se concentra la esencia lírica y estilística de Tom Petty y su banda, la compenetración máxima de un grupo, todo lo que ha bebido y aquello de lo que beberán otros en adelante. Con los Byrds en la genética y el rock and roll en las venas, Damn the torpedoes se proyecta imparable desde su trío de despegue (Refugee, Here comes my girl, Even the losers) y suena como la primera gran bomba de una banda irrepetible.

LIVE IN 315: HOY HE VISTO A DARÍN

Hoy he visto a Ricardo Darín. No ha sido en la pantalla, no ha sido en la calle de incógnito o en un evento presentando un libro o una película. Ha sido a cuatro o cinco metros de distancia, desde la cuarta fila de un teatro en mi ciudad, en la tercera de las cuatro funciones diarias que el actor argentino representa junto a Andrea Pietra. La obra, Escenas de la vida conyugal. La inspiración en Ingmar Bergman y su Secretos de un matrimonio, la dirección a cargo de Norma Aleandro.

Hoy he visto a Darín, un actor monstruoso en un escenario. Tierno, cómico, dramático, gamberro, desesperado, irónico, patético, borracho, perdido, enamorado. Todo eso en apenas dos horas. En esas escenas de un matrimonio que se desnuda en su dependencia, su hartazgo, su humana imperfección. Una carcajada, un escalofrío. El arte mayúsculo de la interpretación, el placer de vivirlo tan cerca con un actor y una actriz colosales.

VOLUME ONE 703: REAL WARMTH (JOAN SHELLEY)

Me ocupo estos días de este disco, no escucho nada nuevo más. Me tiene en estado de reposo, adormecido, abrigado, maravillado. Son sensaciones que surgen de las canciones frágiles de Joan Shelley en su octavo álbum, Real warmth (No Quarter, 2025): calor auténtico, música amable, precisa y preciosa en las fronteras del folk americano y británico. 

Me gusta todo lo que he escuchado de esta mujer, apartada ahora en una casa de Toronto con un grupo exquisito de músicos que convierten la finura de las cuerdas y las percusiones en postales de nostalgia. Sus canciones, que nacen y avanzan despacio, esquivan los estribillos y respiran con un detallismo en su arquitectura sonora que deslumbra, que hace flotar.

Nota: 9/10 

BONUS TRACK 317: THE TRINITY SESSIONS (COWBOY JUNKIES)

Quizá porque me ha llegado desde el Oriente lejano en una mochila cargada de discos a precios deliciosos y viciosos, hoy saboreo mejor que nunca el día aquel en que los Cowboy Junkies grabaron con solo un micrófono este álbum en la iglesia de la Sagrada Trinidad de Toronto, un 27 de noviembre de 1987. Fue el segundo álbum de los hermanos Timmins, sin que apenas el primero se hubiera conocido y escuchado, y con esa suavidad característica con que grabaron canciones propias y ajenas dejaron claro el territorio en el que se iban a asentar y el clima que lo iba a definir. De la revisitación del Blue Moon al lamento lloroso de Hank Williams (I'm so lonesome I could cry), de los arreglos hipnotizantes de Working on a building al sigiloso préstamo de Sweet Jane. La epifanía bluesera de Walking after midnight eleva The Trinity Sessions a la inmortalidad veinte, treinta, cuarenta años después de que se acomodase entre los muros de aquella iglesia.  

SOUNDTRACK 292: NEBRASKA Y BRUCE

"Busco lo auténtico entre tanto ruido".

El ruido es el éxtasis, la carga de la imagen, la saturación de halagos, la urgencia por vender y convencer. El Bruce público que disuelve al Bruce privado, que no se encuentra, no se reconoce. Lo auténtico es encontrarse, reconocerse, limpiarse en las canciones, latir con la música.

Conocemos muchos lo ocurrido. En resumen: Springsteen, ese rockero del pueblo, el tipo al que la calle reconoce, acaba exhausto la gira del doble álbum The River, conciertos de tres horas, un retiro, un colapso, el pasado que vuelve, el presente confuso, la depresión. Encerrado en una casa con una mesa de cuatro pistas escribe sus nuevas canciones, desnudas, sombrías, tristes, desafinadas o con grano. Así nace Nebraska (y otros temas que poco después entrarían en Born in the USA), sin singles, sin promoción, sin conciertos, sin el rostro del músico en la portada. El brillante paréntesis en una ruta que lo elevaría todavía más arriba. 

Springsteen. Deliver me from nowhere pone aquel tiempo en pantalla. La película recién estrenada condensa unos meses de tormenta y lágrimas, la angustia del artista, ese dolor por no reconocerse ni saber hacia dónde dirigirse. Es en ese laberinto de emociones y en la crisis de identidad de un ser idolatrado donde el director Scott Cooper más acierta y el film más crece: con la banda sonora de unas canciones que purifican y con la estupenda actuación de Jeremy Allen White.

Bruce y su música nos curan tantos años después. A quienes se enfrentan al papel en blanco para retratarse en las canciones y a quienes luego nos encontramos en ellas. 

SOUNDTRACK 291: LA RESIDENCIA

El juego Cluedo, Agatha Christie, Sospechosos habituales y otras fuentes detectivescas se unen en La residencia, una prodigiosa serie estadounidense de misterio que en ocho episodios avanza a ritmo de vértigo aunque solo abarque una noche en la que se produce un asesinato, los interrogatorios de las horas siguientes y una toma de declaraciones posteriores. De atrás adelante y de adelante atrás en un montaje laberíntico pero nunca confuso, esa residencia que es la Casa Blanca se convierte en un escenario cómico y dramático donde el espectador se desliza entre sospechas, coartadas, historias delirantes y conflictos personales.

En una cena de Estado aparece muerto el jefe del personal de servicio de la residencia. La investigación de un caso tan inesperado recae en la excéntrica Cordelia Cupp, observadora de aves, perspicaz en sus preguntas, impredecible en sus deducciones, desesperante en sus métodos. Todos hablan, todos le cuentan, todos tienen motivos para haber matado a la víctima. Es la puesta en escena, ágil y juguetona, y el montaje zigzagueante lo que saca del montón a esta intriga imposible y la transforma en un festín. Con la gran Uzo Aduba (la inolvidable Crazy Eyes de Orange is the New Black) en una genial maestra de ceremonias.

¿QUIÉN SUCEDERÁ A MATT?

La noticia me llegó tarde, por voz de un baterista, quién si no, mientras a nuestra memoria volvían aquellos conciertos de Pearl Jam que vimos juntos hace tiempo. ¿Y ahora quién va a suceder a Matt Cameron?, me preguntó. ¡Cómo!

Lo anunció hace unos meses, la salida del grupo en el que ha estado más años, más de 25, las baquetas más duraderas de una banda que al principio tardó en asentarse como quinteto estable porque la pata que siempre se rompía era la del asiento del baterista. 

Dave Krusen, Dave Abbruzzese, Matt Chamberlain, Jack Irons, Matt Cameron. Por una u otra razón todos se han ido. En el otoño de sus vidas, de su carrera, alguien relevará a Matt Cameron, quizá para volver a los estadios e incitarnos a sentirnos mucho más jóvenes en 2026.

Mi amigo el baterista se preguntaba quién estaría junto a Eddie, Mike, Jeff y Stone en las próximas fotos. Me acordé de aquel lejano Dirty Frank, del dueño de la batería en el segundo álbum de Vedder y compañero de su gira. ¿Serías a la vez miembro de los Peppers y de Pearl Jam?