VOLUME ONE 718: LITTLE WIDE OPEN (KEVIN MORBY)

 Si tienes un gato al que llamas Morby y un perro al que llamas Bruce, (vivos o muertos) es que un tal Kevin y un tal Springsteen son algo más que músicos a los que admiras. Te acompañan siempre, te dan luz, te orientan o te animan cuando más lo necesitas. Probablemente hasta el fin de tus días.

"El cielo es un lugar en la tierra". Escuchas a Kevin cantar y dices sí, porque sabes que en la tierra hay un lugar que es como el cielo, y solo lo sabes tú, tú lo sabes explicar. En Badlands, o en tu tierra. Morby y Springsteen tienen canciones que llevan el mismo título. Porque han estado ahí, en esas malas tierras.

Bueno y bonito. Tan bueno y tan bonito. ¿Cabe algo más? Little wide open (Dead Oceans, 2026), es eso: bueno y bonito. Mucho. Por eso es un diez, un 10, el trabajo de un maestro, la música que va contigo, en la voz y su discurso y en cómo bombea un bajo, sisea la percusión o las cuerdas te aprietan.

Esa es la fiesta. Celebrar lo que te atrapa y conmueve, el modo en como un tipo al que abrazarías cada vez que te lo encontrases te habla del cielo abierto y de la tierra, de amar y vivir. Kevin Morby, en nuestros altares. ¿Qué más desear? Nada más. Por un largo tiempo no tengo ganas de escuchar nada más.

Nota: 10/10 

ES SOLO ROLLING STONES, PERO ME GUSTA

Cuando nací, el tipo que cantaba con sus labios gruesos estaba a punto de cumplir 30 años, los mismos a los que se acercaba el guitarrista tan feo que se movía a su lado.

El tiempo corrió, unas veces despacio, otras deprisa. Más canciones, más guitarras, más discos que empecé a comprar cuando llegué a la adolescencia. Que seguiré comprando.

Mick tiene 82 años, como Keith. Yo hoy cumpliré uno más. Muchos se quedaron por el camino, el suyo no tiene fin, yo les acompañaré. Sus lenguas nos lamen, su música nos mantiene vivos.

VOLUME ONE 717: PREGÚNTALE A SARAH CONNOR (NAT SIMONS)

Prometo que si esta mujer viene a mi ciudad me las arreglo para ir a su concierto. Porque hace falta algo de ese disfrute genuino de lo auténtico cuando la música es tu lenguaje. Y ahora Nat Simons habla con la seguridad de las lecciones aprendidas, de los muchos kilómetros recorridos y de experiencias enriquecedoras aquí y más lejos, ya con el castellano naturalizado en sus versos, entre los contornos de la música americana y sintiéndose más libre hacia parcelas de rock íntimo perfilado con elegancia. Es lo que uno siente recreándose en los cortes de Pregúntale a Sarah Connor (Calaverita Records, 2026), una emoción pura que ya se advertía cuando Natalia se atrevía a grabar en inglés junto a Gary Louris y que ahora se reafirma con un sonido y un discurso más desatado que alcanza el éxtasis cuando no lo ves venir. Con dos guitarrazos, otro par de estribillos demoledores y el eco flotante que envuelve un puñado de buenas canciones.

Nota: 7,5/10 

BONUS TRACK 331: GOOD SINGIN', GOOD PLAYIN' (GRAND FUNK RAILROAD)

Claro, yo también. Fue gracias a Homer Simpson como conocí a Grand Funk Railroad. Aquellos que crecimos con Los Simpsons corrimos a buscar algún modo de escuchar canciones de aquel grupo al que describía entusiasmado Homer en un episodio de las primeras temporadas. “¿No conocéis a Grand Funk Railroad? ¿Las letras descamisadas de Mark Farner? ¿El bajo aplastante de Mel Schacher? ¿La habilidad a la batería de Don Brewer?”, preguntaba a unos chavales. Aquellos primeros catálogos musicales de música libre en internet nos conectaron con Farner, Schacher y Brewer.

Fuimos degustando sus temas más conocidos en recopilaciones al tiempo que leíamos cómo había surgido aquella banda de rock duro y funk y qué había pasado con ella. Pasamos a sus discos más conocidos, los de los primeros años en que tanto vendieron y tan conocidos fueron, aunque no tan respetados. Duro y energético era su sonido. Quizá no llegamos a completar su discografía porque se nos mezcló mucha música que escuchar en aquellos años. Pero volver a GFR nunca es mala idea.

Así que hoy toca rescatar Good singin’, good playin’, un álbum de 1976 que produjo el mismísimo Frank Zappa. Era el segundo de aquel año, ya el decimotercero desde 1969 (qué barbaridad), y acabaría siendo de los últimos de estudio antes de la publicación de directos y colecciones, la huida de las grabaciones, alguna que otra gira. Podría esperarse, y entenderse, que el grupo podría sonar descafeinado, desfigurado por roces o peleas internas, desubicado incluso en una época en que un cúmulo de estilos y corrientes musicales con otras tendencias y públicos llegaron a coincidir. Venía la banda, ya un cuarteto, de trabajos sosos y ramplones, y aunque este disco queda lejos de sus mejores trabajos, sí captura la identidad abrasadora de Farner y compañía en sus piezas más luminosas (Just couldn't wait, Crossfire, Out to get you).

VOLUME TWO 139: JEFF BRIDGES

Hoy toca Jeff. Jeff el músico, aparcamos al actor. Jeff Bridges, como muchos otros artistas de las pantallas, cubre su currículo con algún que otro episodio musical y discográfico, nada del otro mundo, una experiencia más para fortalecer su atractiva figura. 

Allá por el año 2000 me encontré sin esperármelo con Be here soon, su primer álbum, en la que por entonces era mi tienda habitual de discos (hoy ya no existe, hoy ya no queda ninguna que merezca favoritismos). El actor venía de ser el mítico Nota en El gran Lebowski y su capricho musical, con Michael McDonald entre los productores, dio como resultado un trabajo fresco y sin ambiciones. A Jeff se le notaba suelto y cómodo, disfrutando con algo con lo que no iba a pasar a la historia pero era más que digno.

Pasaron once años y un merecido Oscar en el pellejo de un músico de country en el film Crazy Heart para que Jeff volviese al estudio para cantar. Como el respetado productor T Bone Burnett había sido el director musical de aquella película, debió convencer a Bridges para rubricar la colaboración con un segundo disco. Tenía buena pinta la propuesta, con Burnett reclutando a sus hombres y mujeres de confianza (Ribot, Crouch, Bellerose, Ciancia, Pahl, Sam Phillips, Rosanne Cash) para respaldar al actor. En cambio la aventura salió torcida. A veces ocurre eso, que los buenos músicos no forman la orquesta que mejor debe sonar. Porque a Jeff no se le nota tan relajado como en su primer disco sino más bien constreñido por la pulida pero plana producción de T-Bone, que no suele fallar con la batuta pero esta vez patinó.

Un par de discos más firmó Bridges en los años siguientes, que no he tenido a mi alcance. Quizá algún día. 

VOLUME ONE 716: I'M PEOPLE (HISS GOLDEN MESSENGER)

Cada dos o tres años, Michael Taylor, el mensajero del siseo dorado, nos recuerda que el oficio de cantar, componer e interpretar es un loable y gratificante arte. Sus obras, producto de una paleta que ha mezclado de forma armoniosa los colores del folk, el pop, el rock y el soul en diferentes dosis, son unas veces generosas y estimulantes, con mayor o menor capacidad para dejar rastro en el deleite; otras veces perduran, asombran, conmueven. Aunque M.C. insista en mantener ese relajado, limpio y funcionarial tono en su manera de cantar, rico en detalles si se raspa. 

Con I'm people (Chrysalis, 2026), Hiss Golden Messenger entrega otro disco de los del segundo grupo, a la altura exquisita de Hallelujah Anyhow (2017) y Quietly blowing it (2021). Aunque creas que el músico va a acomodarse otra vez en su efectiva receta, sus temas se expanden discretamente y toman en esta ocasión, bravo, una dirección que los llevan a las esencias espirituales del mejor Van Morrison de los setenta, como en ese fantástico final (qué maravilla de título, 'Depende del río) en el que Sam Beam queda invitado para coronar un álbum estupendo.

Nota: 8/10 

VOLUME TWO 138: FOO

Puede que en estos tiempos no me dé más pereza escuchar a una banda tanto como Foo Fighters. Lo digo por la propia inercia del grupo y por la evolución (más bien permanencia) de su propuesta musical, no por quitarle méritos a una formación solvente y duradera, estable en seguimiento popular y con un frontman carismático, entregado e irreprochable (en el escenario) como Dave Grohl, tan capaz como casi ninguno de meterse a los estadios en la mochila. Pero después de haber ensalzado algunos de sus doce álbumes y de estancarse con la monotonía de sus recientes entregas, desde Sonic Highways (2014) e incluida la despedida y el regreso al camino que supuso la muerte de Taylor Hawkins, uno ya siente ganas de decir: Basta, ya no más.

Grohl, el chico (el señor) más listo de la clase, grita como nadie, cabalga sobre sus canciones y revienta las guitarras. Sus compañeros le siguen la corriente de forma marcial, con el oficio seguro de saber subir los decibelios sin descarrilarse. Pero la banda ya funciona con el piloto programado en función automática, sin piezas que vayan a perdurar ni en discos que consigan fascinar. Al final uno cae en la mala costumbre de dar nuevas oportunidades a quien ya no tiene ganas de concedérselas y se encuentra con que, a la altura de su duodécimo álbum, los FF suenan tan previsibles, huecos y acelerados que en el fondo, como muchos otros contemporáneos, se diluyen en la insignificancia.

BONUS TRACK 330: DECORATION DAY (DRIVE-BY TRUCKERS)

Otra pregunta para debatir entre fans: ¿con cuál de un glorioso trío o impecable póker de álbumes consecutivos te quedas? Venga, quédate con uno solo. Hoy toca elegir entre estos: Southern Rock Opera (2001), Decoration Day (2003) o The dirty South (2004). Con los Truckers como protagonistas, cabe también ponerse a escoger la mejor de sus portadas o la mejor de las firmas de aquella etapa (Hood, Cooley o Isbell). Yo los acababa de descubrir; los Stones del country alternativo, me los habían descrito con la recomendación de la ambiciosa ópera rock sureña que me prestaban. Del trío de discos en cuestión tenía más nebuloso el quinto del grupo, un Decoration Day que hoy percibo con el mismo vigor que me sedujo entonces, con canciones que te agarran del cuello mientras te dan a conocer el sucio aliento del sur. Patterson Hood tenía más créditos, pero las escasas joyas de Jason Isbell (Outfit y el tema titular) años antes de emanciparse realzan el fantástico brío que en su día exhibió esta banda. Aun así, me quedo con The dirty South.

VOLUME ONE 715: HONORA (FLEA)

Los sobresalientes entre los mejores suelen tener almas libres, actúan como versos sueltos cuando se desatan de los grupos donde tanto deslumbran, quizá más para mostrar perfiles imprevisibles o ángulos atípicos que para exhibir su destreza. A Flea podemos aplicarle este escenario al escuchar, sentir y celebrar su primer trabajo largo en solitario, Honora (Nonesuch, 2026).

El bajista de Red Hot Chili Peppers ya había confesado sus inclinaciones jazzísticas en ensayos cortos; ahora con más espacio y recorrido se toma su tiempo y sus detalles en jugar con una paleta experimental sinuosa que excita tanto como alivia. Con Thom Yorke, Mshell Ndegeocello y los colegas John Frusciante y Chad Smith entre los invitados. Flea alterna trompeta y bajo, y con sus habilidades moldea un álbum que primero acaricia y luego penetra. 

Ah, y no me tomaré la libertad de castigar a los RHCP a propósito. No me sale darle la espalda a una banda que tan buenos momentos me ha dado aunque añore su lado más rotundo, con Flea presente.

Nota: 7,5/10 

BONUS TRACK 329: BLUES FROM LAUREL CANYON (JOHN MAYALL)

Excavar puede traer descubrimientos valiosos, reliquias olvidadas o joyas que limpiar. El blues es terreno propicio para desenterrar tesoros, sobre todo si a ellos pusieron brillo en su día maestros de elite, padrinos con mano de santo, como John Mayall. Justo cuando su fábrica de Bluesbreakers echaba el cierre, tres meses de vacaciones y exploración transoceánica en Los Angeles le servirían a la eminencia bluesera para extraer de una formación básica (guitarra, bajo y batería para acompañar su voz y sus esponjosos teclados) un trabajo fantástico perpetrado en el vecindario que le da título. Blues from Laurel Canyon (1968), con Mayall cual ermitaño contemplativo en psicodélico montaje verde de la portada, lo junta con dos adolescentes en las cuerdas, Scott Thompson con el bajo y un tal Mick Taylor al que ya había enderezado, y con el curtido baterista Colin Allen. El disco es capital por ubicarse entre las dos grandes etapas de Mayall, cimas de una larga carrera sin reproches.

GREATEST HITS 372: UNA NUEVA CANCIÓN DE TOM WAITS

Por un momento recuperé el éxtasis de la impaciencia, esa cuenta atrás hacia el instante en que empieza a sonar la nueva canción de uno de tus músicos favoritos a los que hace mucho tiempo que no le escuchas nada nuevo. Terminada la expectación y la atención al detalle, suspiras de placer, lamentas la sequía tan larga, te felicitas por tener al músico en los pedestales.

Esta información lo explica todo. Volvemos a escuchar cantar (bramar o aullar) a Tom Waits, aunque sea solo en esta píldora fugaz para los tiempos podridos que nos quieren hacer sufrir. Con Massive Atack, juntos, voces a las que no les duele combatir y denunciar con la fuerza de su oficio. Boots on the ground. Danos un poco más, por favor.

 

BONUS TRACK 328: PRAISE & BLAME (TOM JONES)

"Un fuera de serie". Recojo las palabras de un amigo cuando hace unos días celebramos una gran noticia: la visita a nuestra ciudad de Tom Jones para brindarnos un concierto de su gira actual. Si la buena salud le acompaña, el tigre galés nos saludará dentro de unos meses con 86 años.

Entonces comparo a Sir Tom con Johnny Cash, sin Rick Rubin pero con Ethan Johns al frente de las maniobras. La excelencia de la vejez. Las sesiones de Jones son tan sublimes como las grabaciones americanas finales de Cash. Praise & Blame (2010) inauguraba aquella serie.

El cancionero removía las esencias con perlas de John Lee Hooker, Rosetta Sharpe, Billy Joe Shaver o Bob Dylan, y Jones y Johns rehacían inspiraciones añejas en un álbum de marcada espiritualidad americana en clave de blues, folk y gospel. Lo dicho: soberbio, fuera de serie. Nos vemos, Tom. 

GREATEST HITS 371: LULLABY (THE CURE)

Una pasada. Como Thriller en su día. Terrorífico. Una canción que queríamos escuchar una vez tras otra. Un vídeo que nos asustaba en sus detalles: la tela de araña, los músicos zombis, el tipejo ese de los labios pintados engullido por una masa negra e informe. Kafka, asumimos después, comprado el disco, la banda oscura, una música que se te metía en el cuerpo tan siniestra como épica. The Cure y su canción de cuna sobrecogedora, fascinante hasta el fin de los tiempos.

VOLUME ONE 714: AMBIGUOUS DESIRE (ARLO PARKS)

Este disco entra en la caja de esos que a primera vista o en condiciones normales no me gustarían (la normalidad de esas condiciones las conocemos yo y pocos más), pero de alguna forma misteriosa encaja en ese espacio abierto a la seducción que dura días, quizá hasta que no muy tarde se vaya diluyendo para perderse en algún rincón de difícil acceso en la memoria. Mientras, a disfrutar. Eso consigue la joven londinense Arlo Parks, que asombró con agrado en su debut Collapse in sunbeans (2021), en menor medida en My soft machine (2023) y ahora recupera el encanto en Ambiguous desire (Transgressive, 2026).

Arlo se ha echado a la pista, a la evasión del nightclubbing, para flotar o encontrarse, perderse o caer, lo que sea, para lo que ella quiera, con estilismo luminoso, mensajes susurrantes entre el sudor de las discos y las luces envolventes. La atmósfera en que se baña contagia (Heaven, Blue Disco, Luck of life), con percusiones programadas o con bajos pesados. Poesía hedonista para salvarse, vuelos viciosos con los que salir a ratos de la rutina. Luego, la resaca.

Nota: 7,5/10