Tocan vacaciones, un respiro, descanso, un viaje. Viajar está bien, dejarse caer en otro lugar e imaginar. No pensar, no preocuparse. Escuchar música. Si alguien cae por estas líneas en algún momento, os dejamos unas canciones para pasar un rato en buena compañía.
"Sabes que soy feliz viajando. A través del aire, por la autopista, como una jabalina". Campo a través, por caminos de tierra, sobre mis botas, en moto, en la autopista. Con Kevin Morby.
Hacemos la vista gorda. Los monos llevan tiempo domesticados y en anodina sintonía. La juventud queda tan lejos para ellos como para nosotros. Cuando vuelve aquel arrebato, eso sí, aún serpentea un escalofrío. Lo cool de plástico no me va, puestos a elegir, mejor el latex de Dua Lipa, más notable aquí que sus aliados árticos.
Como arrancar un coche, robado o no, y dejar que las ruedas se acoplen al asfalto. Así avanza la canción que nos dio a conocer a la espigada británica Beth Orton. Llega un momento en que cada instrumento se entrelaza sigilosamente bajo la cristalina languidez de Beth, que después de aquel estreno nos dejó bellos, aunque poco frecuentes, testimonios de su arrebatadora exquisitez.
Aquel amor negro era un álbum de rock muy negroide, guitarrazos con estilo, chulería eléctrica para conquistar curvas con acento soul. Greg y los Whigs chasqueaban los dedos y se llevaban el botín. Siguieron en la senda negra algún tiempo más hasta que se volvieron más oscuros, de una espesa turbiedad. Somos mayores.
El duelo entre 37 grados y A cara o cruz acaba siempre en tablas. Lógico, en un álbum tan impecable nada sobresale. O todo. Las supe de memoria, cada sílaba, cada nota, cada giro de Auserón en su voz, los ritmos tan parecidos de cada canción. El coche me ha reconectado con Radio Futura, el mejor grupo del rock español más añorado. "Pongamos las cosas claras".
Rulaban los discos, los casetes. Música que escupía la radio por las noches, que buscábamos en las tiendas durante los recreos del instituto. Nos creíamos guays por estar a la última, por hablar y alabar a las bandas que descubríamos, de las que nuestros mayores no nos hablaban porque no conocían. Con sus trajes caídos, el pelo enmarañado en las cabezas grandes, los labios pintados. Una seductora oscuridad. Robert Smith y su grupo.
Es un señor mayor que camina despacio al salir al escenario, también al marcharse, con la espalda un poco encorvada, precavido para no tropezar. Pero mientras canta se mantiene firme, alguna vez apoyado en un taburete, otras veces en pie, sonriente al agradecer, presentar sus canciones o contar una anécdota, profundo y poderoso al cantar. Le basta muy poco a Tom Jones para reafirmar su categoría de gigante.
Este jueves en el Coliseum de A Coruña, el galés, solo con su presencia y 86 años encima, impuso su condición de mito. Willie Nelson sigue grabando discos y es mayor que él, recordó. Y cuando en los setenta actuaba en Las Vegas coincidió con Elvis, contó. "Elvis me dijo", se rió.
La edad y el cansancio no desgastan en absoluto el vigor de su voz inmortal, un lujo que embellece aún más canciones con las que hace cinco y seis décadas se enamoraban nuestros mayores (la divertida It’s not unusual, la arrebatadora Delilah), o que más tarde nos llevaban a la pista de baile (If I only knew, Kiss, Sexbomb).
Ante una audiencia con predominio de edad madura, sir Tom Jones navegó por unos cuantos de aquellos éxitos del pasado remoto y por otros no tan lejanos, actualizados, reinventados, inmunes a la pérdida de encanto: It’s not unusual en clave acústica, Sexbomb con barniz de blues.
Pero en sus versiones (de Bob Dylan, Leonard Cohen, Cat Stevens, Ry Cooder, The Waterboys) elevó su magisterio. Esa capacidad para reinterpretar las joyas ajenas, alejarlas del enfoque del original y dotarlas de trascendencia (Tower of song, Not dark yet, This is the sea) subió la emoción de la velada, la entrega a su sabiduría.
Unas bailaron en pie ante sus butacas, otros no escatimaron aplausos de satisfacción. Ovación para la nostalgia y sin discusión. Sir Tom arrancó confesando que estaba envejeciendo (I’m growing old) y terminó rejuvenecido con todo un incunable eterno (Johnny B. Goode, de Chuck Berry) para rugir que el rock y la música popular no tienen edad. "Que Dios os bendiga", se despidió Mr. Jones con paso corto, despacio.
(Con mi permiso)
No solo suscribo esto, lo firmo.
Jarrett, que había dejado atrás su paso por la banda de Miles Davis y ya tenía el abrigo del sello ECM, arrastraba dolores de espalda y de un día para otro viajó de Zúrich a Colonia por carretera para plantarse en el auditorio de ópera de la ciudad alemana ante 1.400 personas en un concierto que había organizado una joven entusiasta de 17 años, Vera Brandes. A Vera y sus amistades sigue la película Köln 75 en gran parte de su metraje. Otro poco es para Jarrett y un periodista norteamericano. A partir del momento en que una y otro se encuentran estalla una fascinante, poderosa explosión de música, cine e improvisación increíble.
Desaparece un rato cuando puedas. Piérdete entre las teclas de aquel piano.
Esto es: en 1961, la época de Hamburgo, Paul compra un precioso bajo Hofner con el que compone e interpreta las primeras canciones de los Beatles. Va a todas partes con sus cuatro cuerdas. Poco después lo alterna con otros bajos de la misma marca, pero el primero del 61 lo lleva encima en sus giras y grabaciones, para ensayar o simplemente porque está ahí, testigo silencioso de la evolución de la banda hasta su separación.
Más de diez años después, cuando Paul había creado Wings, el Hofner del 61 desaparece, es robado de un camión con más equipo musical dentro. A Macca no le duele la pérdida al principio, ya había pasado página y aquel bajo lo asociaba al tiempo Beatle, al que ya nadie quería regresar. El documental nos muestra cómo la búsqueda de aquella reliquia se convierte años más tarde en una aventura fascinante.
Periodistas, beatlemaníacos, antiguos colaboradores de Paul en su carrera, ingenieros de sonido, restauradores de instrumentos y el propio Macca van relatando lo que pasó con aquel bajo perdido hasta por fin dar con su paradero medio siglo después, hasta que volvió a las manos de McCartney, su pieza maestra.
La patosa, invisible e ingenua Sue que nada encuentra a su medida. El perezoso e inadaptado Axl, un parásito en calzoncillos adicto a la idiotez. El entrañable y pequeño Brick, que repite palabras en voz baja y no se despega de los libros. La entregada, nerviosa y abnegada Frankie, madre coraje mal pagada. El franco, despreocupado y poco sociable Mike, gigantón padre que no duda en dirigirse con crudeza a quienes más quiere. Cinco elementos, próximos y humanos, que retuercen los esquema de la mediocridad familiar americana, espejos donde vernos reflejados.
La pausa de cinco años que se dieron Dan y Patrick en mitad de la pasada década dio paso a un arrebato de producción de seis álbumes hasta el presente. Nada que reprochar al vicio de trabajar que sufre Auerbach, como padrino, conductor e intérprete al amparo de su factoría discográfica. La banda se ha lanzado a la pista de baile o ha navegado por los pantanos, quizá por capricho, puede que de acuerdo a su estado de ánimo, nunca sin defraudar.
Nota: 8/10
El género del docudrama musical lleva años regalando brillantes ejemplos, bien sea para retratar a Metallica, Amy Winehouse o Taylor Swift. El film que recupera aquellos años de los Peppers, aquella época bañada en ácido en la que solo el batería Jack Irons parecía el único tipo con algo de sensatez, es tan notable como aquellos ejemplos. Cuarenta años después, Irons, Flea y Kiedis repasan los excesos de su juventud, sus aventuras musicales, las idas y venidas de un proyecto imprevisible, y ensalzan a un amigo, un hermano, que sin duda fue determinante en la orientación que tomó la banda, en un sonido nervioso que con los años mejoraría pero también se estancaría. Llegaron nuevas épocas. Hillel no supo sobrevivir, que lo hicieran sus amigos casi fue un milagro.
A estos calificativos responde el álbum Bloodflowers (2000), un trabajo que se lanzó en su día con más timidez en la presentación de los primeros temas, más bien sin singles vendibles. Pero tal carencia en absoluto juega en contra: el disco, largo, profundo e hipnótico representa la fuerza más contagiosa de una banda cuyo culto nunca ha menguado y encuentra generaciones mucho más jóvenes. Las canciones de estas flores de sangre alcanzan el poderoso éxtasis que hace dos años tuvo el fascinante regreso de Smith y sus góticos compañeros, con el disco Songs of a lost world, tras un extenso descanso.
Y si resulta que Lennon ha estado vivo todo este tiempo y todo el mundo se despierta mañana con un disco nuevo que ha grabado en el último año. Y si ahora salen a la luz las canciones que Lennon tenía grabadas poco antes de morir y se convierten en un álbum póstumo tanto tiempo después. Y si Paul y John dejaron acabado un disco que ha estado hasta ahora guardado con candado y se edita cuando los dos se reencuentren en el más allá. Y si los cuatro, antes de la separación, firmaron un disco maldito que se hará público cuando ninguno viva para contarlo.
Piensas esto, y alguna que otra fantasía que se te ocurre, porque lo último de McCartney, de lo bueno que es te invita a soñar.
Sonó de golpe a una hora cualquiera en una de esas emisoras que programan lo que llaman, lo que se consideran, clásicos. Los más de cuarenta años pasados la han convertido en eso, en un clásico, pero yo creo que la canción Dancing in the dark fue un clásico desde el momento que se escuchó por primera vez. Mi momento. ¿Por qué? Bueno, pues porque suena como un suave cortejo, irresistible y seductor, la invitación a bailar de un buen tipo que guarda la rudeza para desnudarse como un hombre tierno. O porque la música va en locomotora con el viento en la cara. Come on baby, hay canciones que están hechas para nosotros, que nunca te cansas de escuchar aunque suenen en el lugar más insospechado o el momento menos adecuado pero consiguen que estés contento. Como los tipos que la cantan ante la multitud. Te llaman para decirte que siempre es bueno encontrarte bailando en la oscuridad.
Pues sí, pasa el tiempo, ocho años desde su álbum anterior. Por entonces, esta hija de Portland, pariente musical de Joni Mitchell, Gillian Welch o Joana Newsom, había desaparecido de mi radar. Nuevas señales (esa cubierta en compañía de gansos o patos, Alela a la espera de alguien en la mesa solitaria con la cordillera al fondo) me llevan de nuevo a esta autora. Leo que su disco se gestó en un ático e interpretó, pero bien podría haber sido en ese paraje silencioso de la portada, con la calma como única aliada.
Who’s keeping time? se digiere con reposo, sin prisas, como pasa con tantas piedras preciosas del folk estadounidense que nunca dejan de pisar en las raíces sin perder el miedo a actualizarse. Y así, se suceden canciones frágiles y hermosas que envuelven este estupendo reencuentro con Alela Diane.
Nota: 7,5/10
Qué bueno. Vas viendo la sucesión de entradas y descubres que has escuchado prácticamente todos y que la mayoría también te gustan mucho. Te sorprendes por alguna selección inesperada (porque no te encaja en la idea o imagen que te has hecho del bloguero o porque en realidad ese álbum a ti no te gusta nada). Pero casi siempre te imaginas a J, y a ti mismo, viviendo eso disco tan bueno en el momento en que llegó a tu vida.
Así, ves a las personas que te acompañaban cuando de repente descubres un álbum de Wilco o The Black Crowes; recuerdas el impacto que te causó un día, una semana, un mes; los hechos y momentos que marcaron tus pasos cuando esos discos eran tu banda sonora...
Estoy convencido de que, si me pusiera a ello, también crearía mi propio diario discográfico a lo largo de un año. Sería un ejercicio de reflexión, nostalgia y, al fin y al cabo, bienestar. Pero J lo está haciendo muy bien. Sigamos leyéndolo, con su música en la cabeza.
Creo que este fue el primer vídeo que vi de David Bowie, y durante mucho tiempo mantuve en el recuerdo la tórrida y a la vez húmeda escena de la playa, la desnudez de los cuerpos unidos que las olas bañan en la orilla. Deteniéndome más tarde con otra atención en la historia que cuentan las imágenes, no pude evitar reírme con la ingenuidad del relato, la ridiculez de algunas escenas. Pero China girl me sigue pareciendo una de las mejores canciones de Bowie, presente en un disco que me gusta reconocer, Let's dance (1983). Iggy Pop, que quizá debía algunos favores, comparte los créditos autorales de un tema terriblemente seductor, y Bowie, susurrante o impulsivo, lo eleva hasta niveles arrebatadores.
"El cielo es un lugar en la tierra". Escuchas a Kevin cantar y dices sí, porque sabes que en la tierra hay un lugar que es como el cielo, y solo lo sabes tú, tú lo sabes explicar. En Badlands, o en tu tierra. Morby y Springsteen tienen canciones que llevan el mismo título. Porque han estado ahí, en esas malas tierras.
Bueno y bonito. Tan bueno y tan bonito. ¿Cabe algo más? Little wide open (Dead Oceans, 2026), es eso: bueno y bonito. Mucho. Por eso es un diez, un 10, el trabajo de un maestro, la música que va contigo, en la voz y su discurso y en cómo bombea un bajo, sisea la percusión o las cuerdas te aprietan.
Esa es la fiesta. Celebrar lo que te atrapa y conmueve, el modo en como un tipo al que abrazarías cada vez que te lo encontrases te habla del cielo abierto y de la tierra, de amar y vivir. Kevin Morby, en nuestros altares. ¿Qué más desear? Nada más. Por un largo tiempo no tengo ganas de escuchar nada más.
Nota: 10/10
Cuando nací, el tipo que cantaba con sus labios gruesos estaba a punto de cumplir 30 años, los mismos a los que se acercaba el guitarrista tan feo que se movía a su lado.
El tiempo corrió, unas veces despacio, otras deprisa. Más canciones, más guitarras, más discos que empecé a comprar cuando llegué a la adolescencia. Que seguiré comprando.
Mick tiene 82 años, como Keith. Yo hoy cumpliré uno más. Muchos se quedaron por el camino, el suyo no tiene fin, yo les acompañaré. Sus lenguas nos lamen, su música nos mantiene vivos.
Nota: 7,5/10
Fuimos degustando sus temas más conocidos en recopilaciones al tiempo que leíamos cómo había surgido aquella banda de rock duro y funk y qué había pasado con ella. Pasamos a sus discos más conocidos, los de los primeros años en que tanto vendieron y tan conocidos fueron, aunque no tan respetados. Duro y energético era su sonido. Quizá no llegamos a completar su discografía porque se nos mezcló mucha música que escuchar en aquellos años. Pero volver a GFR nunca es mala idea.
Así que hoy toca rescatar Good singin’, good playin’, un álbum de 1976 que produjo el mismísimo Frank Zappa. Era el segundo de aquel año, ya el decimotercero desde 1969 (qué barbaridad), y acabaría siendo de los últimos de estudio antes de la publicación de directos y colecciones, la huida de las grabaciones, alguna que otra gira. Podría esperarse, y entenderse, que el grupo podría sonar descafeinado, desfigurado por roces o peleas internas, desubicado incluso en una época en que un cúmulo de estilos y corrientes musicales con otras tendencias y públicos llegaron a coincidir. Venía la banda, ya un cuarteto, de trabajos sosos y ramplones, y aunque este disco queda lejos de sus mejores trabajos, sí captura la identidad abrasadora de Farner y compañía en sus piezas más luminosas (Just couldn't wait, Crossfire, Out to get you).
Allá por el año 2000 me encontré sin esperármelo con Be here soon, su primer álbum, en la que por entonces era mi tienda habitual de discos (hoy ya no existe, hoy ya no queda ninguna que merezca favoritismos). El actor venía de ser el mítico Nota en El gran Lebowski y su capricho musical, con Michael McDonald entre los productores, dio como resultado un trabajo fresco y sin ambiciones. A Jeff se le notaba suelto y cómodo, disfrutando con algo con lo que no iba a pasar a la historia pero era más que digno.
Pasaron once años y un merecido Oscar en el pellejo de un músico de country en el film Crazy Heart para que Jeff volviese al estudio para cantar. Como el respetado productor T Bone Burnett había sido el director musical de aquella película, debió convencer a Bridges para rubricar la colaboración con un segundo disco. Tenía buena pinta la propuesta, con Burnett reclutando a sus hombres y mujeres de confianza (Ribot, Crouch, Bellerose, Ciancia, Pahl, Sam Phillips, Rosanne Cash) para respaldar al actor. En cambio la aventura salió torcida. A veces ocurre eso, que los buenos músicos no forman la orquesta que mejor debe sonar. Porque a Jeff no se le nota tan relajado como en su primer disco sino más bien constreñido por la pulida pero plana producción de T-Bone, que no suele fallar con la batuta pero esta vez patinó.
Un par de discos más firmó Bridges en los años siguientes, que no he tenido a mi alcance. Quizá algún día.
Con I'm people (Chrysalis, 2026), Hiss Golden Messenger entrega otro disco de los del segundo grupo, a la altura exquisita de Hallelujah Anyhow (2017) y Quietly blowing it (2021). Aunque creas que el músico va a acomodarse otra vez en su efectiva receta, sus temas se expanden discretamente y toman en esta ocasión, bravo, una dirección que los llevan a las esencias espirituales del mejor Van Morrison de los setenta, como en ese fantástico final (qué maravilla de título, 'Depende del río) en el que Sam Beam queda invitado para coronar un álbum estupendo.
Nota: 8/10
Grohl, el chico (el señor) más listo de la clase, grita como nadie, cabalga sobre sus canciones y revienta las guitarras. Sus compañeros le siguen la corriente de forma marcial, con el oficio seguro de saber subir los decibelios sin descarrilarse. Pero la banda ya funciona con el piloto programado en función automática, sin piezas que vayan a perdurar ni en discos que consigan fascinar. Al final uno cae en la mala costumbre de dar nuevas oportunidades a quien ya no tiene ganas de concedérselas y se encuentra con que, a la altura de su duodécimo álbum, los FF suenan tan previsibles, huecos y acelerados que en el fondo, como muchos otros contemporáneos, se diluyen en la insignificancia.
El bajista de Red Hot Chili Peppers ya había confesado sus inclinaciones jazzísticas en ensayos cortos; ahora con más espacio y recorrido se toma su tiempo y sus detalles en jugar con una paleta experimental sinuosa que excita tanto como alivia. Con Thom Yorke, Mshell Ndegeocello y los colegas John Frusciante y Chad Smith entre los invitados. Flea alterna trompeta y bajo, y con sus habilidades moldea un álbum que primero acaricia y luego penetra.
Ah, y no me tomaré la libertad de castigar a los RHCP a propósito. No me sale darle la espalda a una banda que tan buenos momentos me ha dado aunque añore su lado más rotundo, con Flea presente.
Nota: 7,5/10
Esta información lo explica todo. Volvemos a escuchar cantar (bramar o aullar) a Tom Waits, aunque sea solo en esta píldora fugaz para los tiempos podridos que nos quieren hacer sufrir. Con Massive Atack, juntos, voces a las que no les duele combatir y denunciar con la fuerza de su oficio. Boots on the ground. Danos un poco más, por favor.
Entonces comparo a Sir Tom con Johnny Cash, sin Rick Rubin pero con Ethan Johns al frente de las maniobras. La excelencia de la vejez. Las sesiones de Jones son tan sublimes como las grabaciones americanas finales de Cash. Praise & Blame (2010) inauguraba aquella serie.
El cancionero removía las esencias con perlas de John Lee Hooker, Rosetta Sharpe, Billy Joe Shaver o Bob Dylan, y Jones y Johns rehacían inspiraciones añejas en un álbum de marcada espiritualidad americana en clave de blues, folk y gospel. Lo dicho: soberbio, fuera de serie. Nos vemos, Tom.
Una pasada. Como Thriller en su día. Terrorífico. Una canción que queríamos escuchar una vez tras otra. Un vídeo que nos asustaba en sus detalles: la tela de araña, los músicos zombis, el tipejo ese de los labios pintados engullido por una masa negra e informe. Kafka, asumimos después, comprado el disco, la banda oscura, una música que se te metía en el cuerpo tan siniestra como épica. The Cure y su canción de cuna sobrecogedora, fascinante hasta el fin de los tiempos.
Arlo se ha echado a la pista, a la evasión del nightclubbing, para flotar o encontrarse, perderse o caer, lo que sea, para lo que ella quiera, con estilismo luminoso, mensajes susurrantes entre el sudor de las discos y las luces envolventes. La atmósfera en que se baña contagia (Heaven, Blue Disco, Luck of life), con percusiones programadas o con bajos pesados. Poesía hedonista para salvarse, vuelos viciosos con los que salir a ratos de la rutina. Luego, la resaca.
Nota: 7,5/10
MVRK, 9louro, Dvalentino, Young Miko, Hard GZ, Alizzz, Hinds, Black Country New Road, Puma Blue, Ela Minus, mori, HAAi, Sprints, Holy Fuck, Malibu, Teo Lucadamo, Pacífica, Marie Davidson, Man/Woman/Chainsaw, Altin Gün, Lela Soto, La Tania.
¿Quién soy, dónde vivo, qué ocurre, a dónde nos dirigimos?
Con esta línea argumental se puede construir un bonito relato, una película intimista, o un entrañable videoclip. Con el hastío de la rutina, la sombra de la desesperanza, quizá un punto de luz a lo lejos al que solo hace falta acercarse. Dawes ponen la firma en los cuatro minutos con que abren su cuarto álbum All your favorite bands (2015), quizá además mi favorito, cuando David Rawlings se había llevado a los californianos a los estudios Woodland de Nashville. Things happen. Busca que algo ocurra y vuelve a sonreír.
Heroes, la canción, esa obra maestra, eclipsaba y superaba Heroes (1977), el disco, un extraño panel de capas de sonido tan extravagante como cautivador grabado durante la etapa berlinesa en los estudios Hansa bajo la producción de Tony Visconti. Una mitad vocal, otra instrumental. La receta juntaba sabores y texturas que de golpe chirriaban y fascinaban, todo al mismo tiempo. Brian Eno pilotaba las pistas de sintetizadores y Robert Fripp estrangulaba la guitarra eléctrica. Bowie experimentaba con la voz, un héroe robótico de una nueva era, efímero, porque volvería a transformarse, una y otra vez.
La fuerza de su música sigue corriendo por sus venas sin desfallecer. A pound of feathers (Silver Arrow, 2026) es un álbum tan válido como Happiness bastards (2024). Poco importa que en el futuro no consiga dejar huella como la que imprimieron las canciones de Shake... y The southern harmony... pero, hombre, es que aquellas encendieron una luz que aún no se apaga hace más de treinta años años.
Es buena noticia esta continuación del buen rollo que sintoniza a los hermanos. Su nuevo disco es otro latigazo vigorizante con todo aquello que se espera: guitarras de los Stones, atmósferas de Zeppelin, coros calientes, acelerones eléctricos y reposos para coger fuerza. Como siempre, ni más ni menos. Aunque falte el factor sorpresa, no hay lugar al reproche.
Nota: 7,5/10
Nota: 7,5/10
Me encanta esa cubierta, la captura del interior de un bus escolar con los estudiantes adolescentes sentados mostrándonos sus largos cabellos, tan evocadora como inquietante para congelar la imagen promocional de un film de terror. En minúsculas, el título remitía a la edad dorada de la radio (Golden Age of Radio, 2002), y el contenido enseñaba los trazos firmes, aún con algunas líneas finas que pulir, de un autor más que prometedor. Los capítulos que seguirían a este disco reafirmarían la seguridad, a veces los riesgos, de un músico que enseguida se ganaría nuestra confianza.
Una de cineastas repelentes, repulsivos incluso. Jonathan Glazer. (No tanto como Haneke). Me cuesta llegar al final de sus películas, escasas y separadas por hasta nueve o diez años. Porque entrar ya es difícil. Su frialdad, su rigidez, el peso de lo sensorial sobre la acción, la nada, el mensaje vacío. Entiendo que inviten a la fascinación, tanto como al hartazgo. Admito los extremos. Yo estoy en el de la falta de sabor absoluta, incapaz de sentirme hipnotizado por la sobriedad de su puesta en escena. Ni con la provocación artificiosa de Under the skin. Ni con la desalmada frivolidad de La zona de interés.
En cambio Glazer ha compaginado su selectiva elección de proyectos cinematográficos con sus encargos publicitarios y musicales como director de spots y vídeos (Blur, Nick Cave, Radiohead, Richard Ashcroft). Es en la publicidad donde el impacto de sus imágenes, comprimidas y directas, gana la fuerza de la que carecen sus extrañas películas.
Quizá parezca complejo alcanzar tales cumbres, pero no es necesario si Sam sigue cantando, componiendo, creando y jugando con su música a niveles altos. Beast epic, Light verse y ahora Hen's Teeth (Sub Pop, 2026) son trabajos magníficos, a los que puede que les falten temas sublimes, pero que siempre son generosos en esas texturas tan delicadas y contagiosas que su autor diseña con facilidad. El nuevo álbum, grabado al mismo tiempo que el anterior hace casi dos años y con el delicioso concurso del trío I'm With Her en dos cortes, crece en sus detalles prodigiosos, en la finura sabia de un artista que abrazar hasta el fin de los tiempos.
Nota: 8/10
Esto viene a cuento cuando suena de fondo el hechizante vapor de T.B. Sheets, que me trae a la memoria Cowgirl in the sand, Jungleland o Desolation Row. Ahí siguen sus creadores en estantes de lujo de nuestras discotecas, en la esfera sagrada de la adicción. No hay nada tan perfecto como un hit preciso que en menos de 4 minutos nos representa o nos lleva al cielo, pero cuando otras canciones de nuestra vida rozan o superan los 10 minutos y no podemos dejar de escucharlas, la gloria (lo que entendemos por ella) tiene sentido.
Nota: 9/10
